“Ciência e música são muito parecidas, e acho que é por isso que muitos cientistas são músicos — Einstein, por exemplo, tocava violino. Ambas se concentram no processo criativo e colaborativo, e é por isso que eu as adoro. Tenho a sorte de poder fazer ciência e música ao mesmo tempo. Para mim, elas se complementam.”

— Kurt Bachman, Believer

A Califórnia, durante a década de 1980, foi incrivelmente produtiva para todos os tipos de heavy metal, incluindo bandas tradicionais como Armored Saint, Omen e Cirith Ungol, e as bandas de glam de Los Angeles, que adoravam usar spray de cabelo, de Ratt a Guns N’ Roses. Sementes importantes do death metal também foram plantadas lá, por Slayer, Dark Angel, Autopsy e Possessed. No final da década de 1980, a prolífica onda de thrash metal em São Francisco tornou-se influente em escala global, com Metallica, Exodus, Death Angel, Testament e outros se tornando nomes conhecidos em todo o mundo.

Todo movimento tem seus párias, e o Blind Illusion de São Francisco tinha que ser a ovelha negra do thrash metal da Bay Area. Formado em 1979 pelo guitarrista Marc Biedermann e pelo baixista Les Claypool em Richmond, uma cidade industrial a nordeste de São Francisco, as primeiras músicas do Blind Illusion eram um iron psych espaçado, como Hawkwind encontrando Blue Öyster Cult. Em parte devido à disposição inquieta e aos gostos musicais variados de Biedermann, e em parte devido a uma formação rotativa, o Blind Illusion evoluiu constantemente ao longo dos anos 80. Eles abandonaram seu material inicial, guiado por teclados, e adotaram um estilo de metal pesado na linha do antigo Judas Priest, Angel Witch e do início do Fates Warning para uma demo sem título de 1983, e sua demo de 1985, Trilogy of Terror.

Onde os pioneiros de São Francisco Anvil Chorus pararam, o Blind Illusion assumiu o comando e seguiu em frente. Duas fitas demo subsequentes, de 1986, viram o Blind Illusion absorver a influência da onda thrash metal que explodia ao seu redor. Após quase dez anos de desenvolvimento, Biedermann finalmente montou uma formação aparentemente estável, trazendo o guitarrista Larry LaLonde, recém-saído do extinto Possessed, enquanto o baixista fundador Les Claypool retornava, tendo conquistado reconhecimento com a sensação local, Primus, durante seu tempo longe do Blind Illusion. Junto com o baterista Mike Miner, a banda lançou The Sane Asylum em 1988.

Biedermann cresceu ouvindo rock clássico como Cream, Led Zeppelin e Jimi Hendrix, e depois se apaixonou pelo rock progressivo dos anos 70, citando Rush, King Crimson e Jethro Tull como suas principais influências. Fundindo essas origens com thrash metal e uma banda versátil de almas gêmeas, The Sane Asylum se destacou como um polegar machucado em meio a outros álbuns de thrash da época. Além da intensidade necessária, o álbum tinha uma vibe solta e jamming que soava animada em comparação com os concorrentes do Blind Illusion. Mesmo as músicas mais intensas, “Vengeance Is Mine” e “Smash the Crystal”, eram permeadas pela essência de fumaça de maconha e incenso.

Quase sozinho entre dezenas de bandas de thrash metal da Bay Area, o Blind Illusion representava São Francisco, o refúgio hippie, lar de Haight-Ashbury e do Grateful Dead. Uma das músicas mais heterodoxas de The Sane Asylum era “Death Noise”, que apresentava interessantes raspagens de cordas abafadas e efeitos sonoros estranhos em meio a acrobacias ágeis de baixo e uma bateria com swing jazzístico.

“Metamorphosis of a Monster” era uma ode épica em várias partes à Mãe Terra, na qual Biedermann conduzia um coral de crianças, que aparecem cantando com toda a força na contracapa do LP. Encerrando um álbum atípico de uma banda atípica, a letra narrava de forma assombrosa uma cena embalada por um ritmo hipnótico e linhas de baixo sinuosas:

One day the whales will walk the earth; hunter will become hunted;
mammoth will unearth itself from its tomb of hibernation;
he will sprout wings and fly.
Man will be consumed by fire then condemned to the sea;
burning eternally with salty water in the lung. Reborn. Reformed.
The humble will adorn a new way without treachery or scorn.

Após uma breve participação especial no álbum conceitual de 1988 do Blue Öyster Cult, Imaginos, juntando-se a muitos outros guitarristas convidados, incluindo Joe Satriani e Robby Krieger, do The Doors, Biedermann começou a trabalhar no segundo álbum do Blind Illusion. The Medicine Show tinha como alvo um tema peculiar: a indústria médica. Biedermann parecia beirar a paranoia (ou simplesmente ser um cientista cristão maluco) ao discutir o projeto com o fanzine Anti-Poser em 1988: “Em vez de atacar os políticos, o alvo são os médicos, porque eles têm licença para matar. Eles têm todos os medicamentos — a porcaria pura. Muitos médicos estão enredados, têm seus diplomas em química e suas pequenas fábricas.”

Biedermann prometeu aumentar ainda mais o teor excêntrico do álbum, comparando a nova faixa “For Me I Am” à psicodelia e “Healing” a um encontro entre Pink Floyd e Led Zeppelin. Ele chegou a prometer uma faixa épica do tamanho de um lado do álbum, intitulada “Espionage in Hell”, que “iria explodir sua mente”. Sandy Pearlman, uma peça fundamental nos bastidores da mitologia única do Blue Öyster Cult, planejava produzir The Medicine Show. Existe uma demo de algumas músicas de 1989, mas o projeto não foi além disso.

A promessa de um futuro grandioso para além de The Sane Asylum nunca se concretizou, já que o Blind Illusion desapareceu após uma breve turnê para promover o álbum. Dois membros importantes do grupo saíram. Larry LaLonde juntou-se a Les Claypool no Primus, e a banda logo passou de uma peculiaridade popular em clubes da Bay Area a um grande sucesso em casas de shows. O clássico experimental e energético do Primus, Frizzle Fry, de 1990, deu início a um período frenético de atividade que levou ao reconhecimento internacional. Em 1994, o Primus já abria shows em arenas para o Rush, enquanto Marc Biedermann praticamente desapareceu, à semelhança de Syd Barrett. Após um período sabático na China para aprimorar seu treinamento em artes marciais, Biedermann montou uma nova formação do Blind Illusion, desta vez um power trio, e gravou demos com material radicalmente diferente de The Sane Asylum, trazendo a banda de volta ao som de rock psicodélico que haviam forjado em 1979.

Em 1988, surgiram dois álbuns de estreia que desafiaram a abordagem convencional do thrash metal. O Metallica havia revolucionado o gênero, e seus milhares de fãs se contentavam em seguir seus princípios. Duas exceções, Anacrusis e Realm — ambos oriundos do Meio-Oeste americano — abalaram as estruturas da ortodoxia do thrash e criaram sons que ainda ressoam.

Em seu álbum de estreia, Suffering Hour, a banda Anacrusis, do Missouri, citou influências que iam do Pink Floyd à banda de doom metal de Chicago, Trouble, além de Metallica e Slayer. O álbum apresentava momentos incrivelmente intensos; os gritos estridentes e insanos do guitarrista Kenn Nardi eram equilibrados por uma abordagem vocal limpa que poderia ter saído diretamente da música gótica ou new wave. Embora Suffering Hour demonstrasse o potencial de originalidade da banda, em sua forma inicial, o Anacrusis ainda era pura crueza e energia.

O segundo álbum do Anacrusis, Reason (1990), demonstrou uma maturidade incrível. Reason revelou o lado mais suave da voz de Nardi, e linhas de guitarra melódicas memoráveis ​​ganharam maior destaque. Mas Reason pareceu apenas um passo de transição quando Manic Impressions chegou às lojas em 1991. As mudanças abruptas de humor da banda já eram previsíveis, mas seu impacto foi amplificado por uma produção incrivelmente precisa que transformou seu metal bruto em um cromo frio e reluzente. Nessa época, a banda atraía mais os fãs do Voivod do que os fãs mais fervorosos do Slayer. Eles buscaram inspiração fora do metal, inserindo “I Love the World”, da influente banda inglesa de pós-punk/rock gótico New Model Army, na ordem das faixas com a mesma naturalidade de uma composição original do Anacrusis.

Em 1992, o guitarrista Kevin Heidbreder insinuou que mais mudanças estavam por vir. “Haverá muitas coisas realmente interessantes no próximo disco, coisas que sempre quisemos fazer, mas nunca tivemos a oportunidade. Estamos seguindo na mesma direção, mas ampliando um pouco os horizontes; algumas mudanças abruptas de clima e algumas coisas experimentais.”

Com o lançamento do apropriadamente intitulado Screams and Whispers em 1993, o Anacrusis apresentou sua obra definitiva. Músicas como “Brotherhood?” e “Tools of Separation” eram completamente atípicas para uma banda de metal, mesclando uma frieza futurista com uma atmosfera gótica e sinistra. A música era técnica e predominantemente em andamento médio, porém intensa, fluida, emotiva e melódica. Uma produção rica em texturas foi crucial para criar a atmosfera única do álbum, assim como os teclados e outros efeitos.

As influências do principal compositor, Kenn Nardi, vieram tanto de dentro quanto de fora da esfera do metal, mas suas aventuras com teclados foram inspiradas por outra banda de metal inovadora. “Achei a maneira como o Celtic Frost incorporou teclados em Into the Pandemonium muito criativa e que adicionou um tom gótico genuíno à música”, diz Nardi. “Eu queria ir ainda mais longe e usá-los de uma forma mais melódica.”

Surpreendentemente, o Anacrusis teve alguma exposição na MTV, com o programa Headbangers Ball exibindo ocasionalmente o clipe da faixa de abertura do álbum, “Sound the Alarm”. Depois disso, tudo ficou em silêncio no que diz respeito ao Anacrusis. A banda encerrou as atividades e as luzes permaneceram apagadas por quase quinze anos. Em 2009, o Anacrusis anunciou que sua formação original se reuniria para um show no festival Keep It True, na Alemanha, no verão de 2010.

Anos após o fim da banda, Nardi descreveu seus planos para um quinto álbum do Anacrusis que teria superado tudo o que havia sido feito antes em termos de prog rock. “Acho que provavelmente teria dado alguns passos adiante na direção de ‘Screams and Whispers'”, disse ele. “Nosso ponto forte eram as músicas mais melódicas. Eu teria incorporado mais orquestração no estilo de ‘Grateful’ e ‘Brotherhood?’.”

“Depois que nos separamos, passei um tempo gravando cinco ou seis músicas novas e rearranjando versões das minhas favoritas do Anacrusis: ‘Stop Me’, ‘Afraid to Feel’ e ‘Far Too Long’. Todas as músicas foram arranjadas para baixo, bateria, guitarra e violão — combinadas com arranjos orquestrais completos. Poderia ser descrito como uma mistura de Slayer com Moody Blues.”

À frente do seu tempo? A banda achava que sim. Como o guitarrista Heidbreder relembra: “Um executivo de uma gravadora nos disse uma vez, no outono de 1991: ‘O mundo ainda não está pronto para o Anacrusis.’ Essa semente foi plantada em nossas cabeças. Precisávamos nos acostumar com isso, aceitar que estávamos por nossa conta.”

Também surgindo em 1988, enquanto o Anacrusis lançava seu primeiro álbum, o Realm, do Wisconsin, estreou com Endless War. Notório por uma versão speed metal de “Eleanor Rigby” dos Beatles, o álbum também mostrou influência do Rush (“Eminence”) e apresentou as estruturas complexas e os ideais de quinze riffs por música de bandas como King Diamond. Os vocais penetrantes, que lembravam Geddy Lee sob efeito de ácido, e o alcance médio arrepiante do vocalista Mark Antoni diferenciaram a banda do padrão speed/thrash, colocando o Realm mais em sintonia com bandas como Toxik.

A banda de Milwaukee retornou em 1990 com seu segundo e último álbum, Suiciety. Aprimorando os arranjos das músicas e adotando uma produção impecável, o álbum apresentou uma ambiciosa faixa-título e várias outras mais curtas e rápidas, que comprovaram que os músicos eram tecnicamente alguns dos melhores no cenário do thrash metal progressivo no início da nova década.

Embora o Realm tocasse coisas complexas e intrincadas, as designações “técnicas” ou “progressivas” dificilmente eram premeditadas. “Se tivéssemos que ser rotulados em um gênero, acho que seria música progressiva”, explicou o guitarrista Paul Laganowski. “Para nós, não é necessariamente progressivo, são apenas as partes que compomos que se encaixam no que a música pede. As pessoas ficariam realmente impressionadas se compôssemos progressivamente de propósito. Porque temos que maneirar, é como se pensássemos ‘Não, espera, isso é demais’. Acabaríamos soando como o Watchtower. Acho que eles são uma ótima banda, mas cara, esses caras estão muito acima da minha compreensão.”

Após o lançamento de Suiciety, o Realm se perdeu, assim como o Anacrusis fizera depois do seu quarto álbum. Ambas as bandas tiveram dificuldade em se encaixar em algum lugar. Seu público era pequeno em comparação com as multidões que seguiam bandas de thrash ou death metal, que eram mais diretas, menos cerebrais e mais fáceis de assimilar. O Realm sofreu um destino muito parecido com o do Psychotic Waltz ou do Mekong Delta — sua ambição e talento foram reconhecidos o suficiente para garantir um status cult permanente, mas a maior parte do público do metal simplesmente não se importou.

O último suspiro do Realm foi uma demo de 1992 que incluía um cover de “One More Red Nightmare”, do King Crimson. Depois disso, os guitarristas e o baixista se juntaram ao vocalista Buddo, da banda Last Crack, de Madison, Wisconsin, um híbrido de metal e alternativo, criando o novo grupo White Fear Chain. A relativa obscuridade tanto do Realm quanto do Last Crack pareceu se combinar exponencialmente e amaldiçoar o White Fear Chain, que começou obscuro e permanece ainda mais desconhecido até hoje. Seu único lançamento, Visceral Life, de 1996, teve uma recepção bastante morna.

Ao norte e bem a leste de Wisconsin, duas bandas da região de Montreal surgiram, inspiradas pelo Voivod e lançando suas próprias versões inusitadas de thrash metal. O Dead Brain Cells, mais conhecido como DBC, não parecia uma promessa do prog rock com seu álbum de estreia homônimo de 1987. Seus elementos hardcore e a crueza urbana não davam indícios do que estava por vir no segundo álbum da banda, Universe, de 1989. A influência do Voivod era evidente em todo o Universe. O álbum se concentrava em um conceito absurdamente ambicioso sobre o Big Bang, a evolução e a ascensão do homem — tudo contado em trinta e sete minutos.

Universe se desenrolou em um ritmo cadenciado, hipnotizante e autoritário, com vozes robóticas e monótonas narrando sobre a trilha sonora semi-técnica. Todas as músicas eram permeadas por ideias interessantes, mas o DBC não tinha exatamente a mesma imaginação de seus conterrâneos do Quebec, o Voivod, e em sua segunda metade o álbum parece redundante. Ainda assim, Universe é um esforço notável e louvável de drama cósmico canadense — e que não passou despercebido. “Universe foi enorme para nós”, diz Paul Masvidal, do Cynic. “O conceito do disco nos fez pensar: ‘Ok, essa banda é legal’. O Cynic era muito fã do DBC.”

Embora a DBC tenha lançado um álbum de metal progressivo notável, outra banda de Quebec, a Obliveon, entregou pelo menos o dobro. Originalmente conhecida como Oblivion, a banda mudou de nome depois de descobrir que já existia outra banda com o mesmo nome nos EUA (atualmente, o site enciclopédico Metal Archives cita vinte e seis bandas que usaram o nome!). Causando grande impacto no underground com a demo Fiction of Veracity, de 1989, o primeiro álbum da Obliveon, From This Day Forward, de 1990, soava como uma versão espacial e altamente técnica do Sepultura do final dos anos 80. Misturando thrash e death metal, sete músicas lançavam o ouvinte em ritmos em constante mudança e riffs cíclicos e intensos, tocados por músicos com aparente transtorno de déficit de atenção. Embora o conjunto não fosse extremamente memorável, as partes individuais eram absolutamente fantásticas.

De certa forma, o DBC e o Obliveon retomaram o fio condutor deixado quando o Voivod, em constante transformação, trocou a ferocidade por sons mais limpos e contidos no final dos anos 80 e início dos 90. Assim como a maioria das bandas canadenses de metal experimental, o guitarrista do Obliveon, Pierre Rémillard, reconhece o impacto e a influência de seus conterrâneos do metal progressivo do Quebec. “O Voivod teve uma enorme influência sobre nós, por sua abordagem única em todos os aspectos — música, letras e arte. O fato de eles serem do Quebec, como nós, e estarem causando impacto na cena internacional do metal também foi inspirador.”

O segundo álbum do Obliveon, Nemesis, oferecia arranjos mais enxutos, porém repletos de camadas de complexidade intrigante. Atmosferas psicodélicas e espectrais, geradas por guitarras, permeavam faixas como “The Thinker’s Lair” e “Factory of Delusions”. Nemesis era uma obra-prima de tecnologia futurista letal, mas a banda não conseguiu fechar nenhum contrato com uma gravadora para o álbum. A gravadora que lançou From This Day Forward, a Active Records, sediada no Reino Unido, havia falido quando Nemesis estava pronto. O Obliveon acabou lançando o álbum por conta própria em 1993, e desde então ele é aclamado como um pilar do tech metal. A prensagem feita pela própria banda esgotou rapidamente, e o álbum só recebeu um lançamento oficial em 2007, quando a gravadora canadense Prodisk o relançou.

Nemesis era mais seco que o álbum de estreia do Obliveon e mais desafiador, apesar dos arranjos mais limpos e concisos. Com uma precisão mecânica, transbordava sutilezas rítmicas e um timbre de guitarra arrepiante. Se a atmosfera gélida é uma característica marcante do tech metal, então Nemesis é absolutamente congelante. Junto com Dimension Hatröss do Voivod e Universe do DBC, Nemesis completa um triunvirato cósmico que eternizou Quebec como um local brilhante no mapa do tech metal.

Hunter Ginn, baterista do Canvas Solaris e estudioso do tech metal dos anos 90, coloca Nemesis em um pedestal. “Se alguém me pergunta ‘Como soa o tech metal?’, eu digo que soa como Nemesis, do Obliveon. Essa é a própria essência do tech metal.”

Para o álbum Cybervoid, de 1996, o Obliveon contratou um novo vocalista. O disco representou um passo em direção ao aggro-metal moderno da época — bandas robustas e focadas no groove, como Pantera e Machine Head —, mas, sendo Obliveon, parecia tão distante daquela cena musculosa quanto parte dela. Alguns fãs do Obliveon, com seu som mais errático e imprevisível, não gostaram da profusão de grooves em Cybervoid, mas diversos momentos experimentais, característicos dos primeiros trabalhos da banda, permaneceram. Com uma abordagem atonal e centrada no ritmo, que rendeu comparações com os suecos do Meshuggah e o Fear Factory, de Los Angeles, Cybervoid e o belíssimo Carnivore Mothermouth, de 1999, encerraram a carreira do Obliveon com confiança, mas sem grande aclamação.

Embora a banda tenha alcançado apenas status cult, os muitos anos de atividade do Obliveon resultaram em uma obra que os membros agora relembram com carinho. Tendo produzido Nemesis, Cybervoid e Carnivore Mothermouth, o guitarrista do Obliveon, Pierre Rémillard, agora dirige seu próprio estúdio, o Wild Studio, e é um dos produtores mais requisitados por bandas de metal canadenses. Ele se sente confortável em seu papel nos bastidores: “O Obliveon durou quinze anos e, depois dessa ótima experiência, todos nós tentamos alguns outros projetos aqui e ali, mas nada em que sentíssemos vontade de investir tanto tempo e energia quanto no Obliveon.”

Nos Estados Unidos, a banda Believer, da Pensilvânia, também surgiu no final dos anos 80 com um som e um ideal espiritual que muitos consideravam irreconciliáveis. Bandas cristãs como Stryper eram compreensíveis: apesar da imagem chamativa e audaciosa, metade de suas músicas eram baladas, e mesmo seu material mais pesado parecia improvável de ofender o seu Deus. Mas quando os membros do Believer citaram bandas demoníacas como Kreator, Destruction e Slayer como inspirações, enquanto se proclamavam uma banda cristã, parecia ser um caso de objetivos contraditórios.

De fato, o guitarrista/vocalista do Believer, Kurt Bachman, confirma essas influências e cita também os thrashers suíços do Coroner: “Também ouvíamos muito jazz, música clássica, Rush, Watchtower e Mr. Bungle”. Bachman também defende a síntese de música brutal e letras bíblicas do Believer: “Sempre tentamos fazer com que nossos ouvintes pensassem por si mesmos e encaixassem as letras em suas próprias vidas, em um nível pessoal. Às vezes, isso funciona melhor com letras que não são tão explícitas. Nunca tivemos a intenção de impor uma mensagem específica a ninguém”.

Historicamente, as bandas de metal cristão raramente se comparavam às suas contrapartes mais seculares. Muitas delas usavam de forma transparente os elementos do metal como um meio para evangelização. Ninguém esperava que essa nova banda de metal cristão extremo fosse diferente. Para piorar a situação, o primeiro álbum do Believer foi lançado pela gravadora cristã R.E.X. Records, que não tinha a distribuição e a credibilidade secular da Metal Blade ou da Noise Records. Apesar da execução impecável e do timbre de guitarra singular, Extraction from Mortality, de 1989, se perdeu em meio a uma enxurrada de álbuns genéricos de thrash metal do final dos anos 80. No fim das contas, o álbum não revelou em nada as grandes visões da banda.

O Believer entrou no mundo do metal secular em 1990, aparecendo na coletânea At Death’s Door da Roadrunner Records. Essa coletânea, juntamente com a Grindcrusher da Earache Records, lançada no mesmo ano, contribuiu muito para anunciar a explosão do death metal. Com a faixa “Not Even One”, do seu álbum de estreia, o som do Believer, com influências de thrash metal, era intenso o suficiente para se destacar entre as bandas mais pesadas, brutais e decididamente não cristãs (e até mesmo ferozmente anticristãs, como no caso do Deicide) presentes na coletânea. A Roadrunner contratou o Believer após o lançamento da coletânea de 1990, e os integrantes, cheios de energia, não perderam tempo e lançaram seu segundo álbum, Sanity Obscure, ainda naquele ano.

Os vocais secos e desesperados de Kurt Bachman talvez fossem a única característica convencional de Sanity Obscure. Riffs de guitarra dissonantes, ritmos incomuns com paradas abruptas e arranjos complexos revelavam o tremendo crescimento da banda. Em meio à intensidade e complexidade, duas faixas mostraram o Believer corajosamente se afastando de suas raízes thrash/death. A faixa de encerramento do álbum, um cover de “Like a Song” do U2, foi uma escolha estranha, e os vocais de Bachman não exatamente fizeram Bono sair do palco e se dedicar integralmente à diplomacia internacional. A formidável composição original “Dies Irae (Day of Wrath)”, no entanto, tinha uma presença imponente e formou o clímax de Sanity Obscure. A música pode até ser considerada um divisor de águas criativo no metal — além do Mekong Delta, que regularmente apresentava composições com forte influência clássica, nenhuma banda de metal extremo havia fundido o gênero com a música clássica de forma tão perfeita e convincente.

Inspirada na Missa de Réquiem de Mozart, segundo Bachman, “Dies Irae” incorporou características de bandas tão díspares quanto Kansas, Celtic Frost e o grupo ítalo-esloveno de rock experimental e teatral Devil Doll, e prenunciou a abordagem operística de futuras bandas de metal como Therion e Nightwish. Os três primeiros minutos são compostos por versos em latim cantados pela soprano Julianne Laird sobre cordas orquestradas arrepiantes e efeitos de sintetizador sombrios e monótonos. Na metade da música, Believer explode com uma sequência espetacular de riffs pesados ​​em conjunto com Laird e as cordas clássicas. Violino e guitarras se unem, duelam e se juntam novamente, levando os temas principais da canção a um clímax alucinante — como um Metallica jovem e ambicioso improvisando em uma das faixas mais complexas do Kansas. “Dies Irae” poderia ter se desmoronado em um amontoado de melodrama, mas a banda, os convidados e os engenheiros envolvidos em sua composição e execução conseguiram criar uma obra-prima de metal operístico arrepiante e verossímil.

Com apenas cinco minutos e cinquenta segundos, “Dies Irae” soa tão monumental quanto um dos antigos hinos de vinte minutos do Rush. Explicando a obra, Bachman diz: “O violinista Scott Laird escreveu uma peça introdutória para a música ‘Extraction from Mortality’, de 1989, e queríamos trabalhar em uma música mais extensa com ele novamente para o álbum Sanity Obscure. A ideia de usar a irmã dele, que era cantora de ópera na época, surgiu após discussões sobre como tornar essa peça algo novo no gênero metal e explorar um pouco mais a criatividade. Se feito corretamente, o metal e a música clássica se encaixam muito bem. A música clássica e o metal são provavelmente os dois gêneros que mais têm em comum em termos de sentimento, textura e criatividade. O céu é o limite criativo nesses gêneros. Tudo é possível.”

Três anos após Sanity Obscure, a banda retornou com uma formação renovada e expandida, mantendo o padrão de “Dies Irae” com o lançamento de Dimensions, um terceiro álbum igualmente ambicioso em escopo. Em termos de metal técnico, é uma obra-prima de timbres de guitarra gélidos, riffs distorcidos e constantes mudanças de ritmo. Enquanto as letras dos álbuns anteriores eram baseadas em versículos bíblicos específicos, Dimensions mostrou a banda indo além, inspirando-se em diversas outras fontes filosóficas, inclusive textos que se opunham às suas próprias crenças cristãs. Obras de Thomas Altizer, Jean-Paul Sartre, Sigmund Freud e Stephen Hawking foram referenciadas, e Julianne Laird, juntamente com os violinos e violoncelos, retornaram para a ambiciosa “Trilogia do Conhecimento”, com vinte minutos de duração. Com Dimensions, o Believer criou um denso e desafiador monolito de metal progressivo que tem poucos iguais, mesmo anos depois.

Como é típico na cena tech-metal, a trajetória do Believer foi curta. Eles pareciam ter investido cada gota de energia vital em Dimensions e precisavam do seu proverbial sétimo dia de descanso — que se estendeu por um hiato de quinze anos. Durante esse período, Kurt Bachman concluiu um doutorado em medicina molecular e hoje dirige seu próprio laboratório de pesquisa sobre câncer. Mas o metal nunca abandonou suas veias.

Junto com outro membro original, o baterista Joey Daub, Bachman ressuscitou o Believer em 2008 com uma formação reformulada para o seu quarto álbum, Gabriel, que a banda comparou a “uma mistura doentia e insana entre Tool, Voivod, Nine Inch Nails e Destruction”. Sobre a criação de Gabriel, Bachman observa como a banda compôs de uma maneira completamente nova. “Com Gabriel, estávamos absolutamente conscientes de não querer repetir o que fizemos antes”, diz ele. “Decidimos não descartar riffs ou estruturas que pudessem não atingir o nível técnico do nosso passado. Costumávamos nos desafiar em termos de composição e técnica. Usar diferentes compassos tornou-se parte do nosso processo de pensamento natural. Então, temos tentado compor material mais direto — isso se tornou um novo desafio criativo para nós.”

A lendária banda de doom metal de Chicago, Trouble, compartilhava a mentalidade cristã do Believer, embora não a demonstrassem de forma tão óbvia. Na verdade, eles se esforçaram bastante para se distanciar do infeliz rótulo de “metal branco” que a gravadora Metal Blade usou para comercializar seus álbuns.

A atmosfera melancólica e os riffs impactantes de Trouble se tornaram a principal inspiração para uma das bandas de metal mais singulares de todos os tempos: Confessor, de Raleigh, Carolina do Norte. Misturando o doom turbulento de Trouble com ritmos extremamente complexos e os gritos de dor do vocalista Scott Jeffreys, o Confessor nunca se encaixou perfeitamente na cena doom. Eles tinham ainda menos em comum com seus colegas da gravadora Earache Records e eram simplesmente originais demais para pertencer a qualquer outro lugar que não fosse seu próprio microcosmo.

Após lançar três demos underground entre 1987 e 1990, o Confessor estreou oficialmente em 1991 com o álbum “Condemned”. Encontraram um lar improvável na pioneira gravadora de grindcore/death metal Earache Records, que teve o desafio de comercializar o Confessor adequadamente. “Condemned” era uma coletânea do material das demos da banda, com apenas uma faixa realmente inédita, “The Stain”. Enquanto os dois guitarristas e o baixista forneciam a base com riffs distorcidos e complexos, carregados de doom metal, o baterista Steve Shelton agitava seus sete braços. Ele ostentava um diploma da Universidade de Marte em domínio da polirritmia. Se as guitarras tocavam um riff em 4/4, Shelton seguia o caminho mais difícil e as encontrava muitos compassos depois, após percorrer uma variedade de ritmos fora do tempo e dissonantes. Sua abordagem incomum é melhor apreciada na faixa-título, que aparentemente não possui nenhuma assinatura de compasso identificável. Sua bateria fragmentada se sobrepõe aos riffs de guitarra, numa viagem a um mundo de fantasia que só Shelton consegue compreender.

Apesar de alienar uma grande parte do público do metal, a abordagem não conformista do Confessor ao doom e sua técnica singular foram elogiadas por muitos. Fãs de metal técnico e math rock abraçaram a banda. Phil Anselmo, do Pantera, e os membros dos pioneiros do doom/death metal, Paradise Lost, apoiaram o Confessor veementemente. A dupla de drone Sunn O))) é fã de longa data do Confessor. Muitos bateristas de death metal moderno, como o multi-instrumentista Dave Suzuki, do Vital Remains, e Mike Heller, do Malignancy, são admiradores declarados de Steve Shelton, do Confessor — assim como o ex-baterista do Soundgarden e atual baterista do Pearl Jam, Matt Cameron.

Embora a banda tenha conquistado certo reconhecimento, o Confessor continua sendo a ovelha negra da família. “Condemned” foi o único álbum gravado em seu auge. Eles fizeram turnês pela Europa com Entombed, Carcass, Cathedral e, mais tarde, Nocturnus, tentando levar seu peculiar prog-doom para o mundo. Após um EP autointitulado de quatro músicas em 1992 — incluindo dois covers do Trouble — as coisas ficaram em silêncio. Mais uma banda de metal incrivelmente talentosa e técnica morreu cedo demais, com o Confessor se dissolvendo em 1993. Scott Jeffreys seguiu para o groove doom do Drench, após uma audição infrutífera para o Watchtower no início de 1992. A maioria dos outros membros formou o Fly Machine, com sua sonoridade grooveada. O baterista Steve Shelton se juntou a Pen Rollings, da lendária banda de math rock Breadwinner, criando música instrumental como Loincloth, que soava como uma fusão de suas bandas anteriores.

Uma tragédia reuniu o Confessor. Em 15 de fevereiro de 2002, o guitarrista original, Ivan Colon, faleceu repentinamente devido a complicações cardíacas, aos 31 anos. Os membros restantes do Confessor se reuniram para um show beneficente em sua cidade natal, para ajudar a viúva com as despesas médicas. A força da apresentação e a reação extremamente positiva do público fizeram com que a banda retornasse de vez. Eles compuseram e gravaram material novo que eventualmente se tornou o álbum Unraveled, de 2005. O álbum apresenta complexidades rítmicas mais sutis do que sua estreia em 1991, e os vocais são um pouco mais encorpados e agradáveis, mas ainda assim soa como nenhuma outra banda.

O retorno do Confessor ressaltou o quão à frente de seu tempo eles estavam em 1991, embora quinze anos depois o mundo ainda não tivesse muito interesse em tech-doom progressivo. Mas eles são um excelente exemplo das fileiras de buscadores que sublimaram o metal extremo nas décadas de 80 e 90. Em toda a América do Norte, sem esquecer a Europa, um subconjunto inteiro de bandas de thrash e death metal se apresentava em um nível notavelmente avançado.

Bandas como Blind Illusion e Realm estavam realmente explorando os limites do gênero? Não exatamente. Além da fuga sonora intrínseca, elas ofereciam uma nova maneira de vivenciar o metal, evitando conscientemente a rigidez da estagnação criativa de um gênero que, às vezes, se orgulha demais de seu legado para olhar para o futuro. Bandas obscuras como Anacrusis e Obliveon sacrificaram longas carreiras e viabilidade comercial em troca de breves e brilhantes lampejos de excentricidade incrível. A maioria dessas bandas era considerada à frente de seu tempo em seu auge, na melhor das hipóteses, e simplesmente ignorada por muitos, na pior. Como era de se esperar, as vendas iniciais de seus discos geralmente refletiam seu apelo específico. Mas, à medida que uma nova geração de fãs de metal explora a história do gênero, esse interesse renovado tem sido atendido com relançamentos, reformulações, turnês nostálgicas e, às vezes, até mesmo novas músicas.

Os fãs mais jovens do metal não tinham idade suficiente para vivenciar as mudanças de paradigma do gênero em sua primeira época. Curiosamente, pioneiros do metal técnico como Atheist e Cynic encontraram uma recepção mais calorosa quase quinze anos depois de iniciarem suas atividades no início dos anos 90. E foi justamente a Flórida, ensolarada e repleta de turistas, terra natal dessas duas bandas, que colocou o metal progressivo extremo no mapa para sempre.