“Eu vi Queensrÿche e Fates Warning tocarem juntos em 1986. Eu fui atraído pelo Queensrÿche porque eles combinavam o metal do Judas Priest com a teatralidade do Pink Floyd. E a maneira como o Fates Warning estava fazendo um Iron-Maiden-encontra-Rush — essas eram todas as minhas favoritas na época, e essas bandas tiveram um impacto imediato em mim.”
—Mike Portnoy, Dream Theater
A tecnologia digital acessível, a popularidade do punk e do new wave e a fadiga da complexidade musical levaram deuses do prog rock como Genesis e Yes a sons mais simples e brilhantes no início dos anos 1980. Os críticos gostam de afirmar que o punk matou o prog no final dos anos 1970, sempre deixando de mencionar que Abacab do Genesis e 90125 do Yes estavam entre os maiores sucessos comerciais do início dos anos 1980. Esses álbuns cultivaram bases de fãs inteiramente novas, muitos dos quais não conheciam ou não se importavam com gravações estranhas do passado distante, como The Lamb Lies Down on Broadway ou Tales from Topographic Oceans. Muitas bandas de prog da era dourada dos anos 1970 simplificaram nos anos 1980 ou se desfizeram. O tempo avançou implacavelmente, e muitos estadistas mais velhos do prog rock deixaram de ser tratados como realeza para serem descartados como dinossauros.
Os anos 80 foram intolerantes aos valores do prog dos anos 70 — então a maioria das reverenciadas bandas de prog inglesas trocaram o excesso e a ambição pela sensibilidade pop e suavidade de smoking. Como o mantra parecia ser “mova-se com os tempos ou morra”, o confiável iconoclasta King Crimson acompanhou os tempos enquanto permanecia na vanguarda. O líder Robert Fripp se uniu novamente ao baterista Bill Bruford e apresentou os novos membros Adrian Belew e Tony Levin. O resultado foi Discipline de 1981, que encontrou o renovado Crimson adotando um som que atraiu comparações com Talking Heads, principalmente devido à semelhança vocal de Belew com David Byrne. A música era tão limpa quanto complexa, equilibrando a arte da canção e o polimento moderno com musicalidade de primeira linha e novas abordagens técnicas. As complicações rítmicas entorpecentes de “Indiscipline” e a excêntrica “Elephant Talk” continuam sendo destaques do vasto catálogo do Crimson, músicas muito alinhadas com seus princípios básicos — mas nenhuma delas poderia ter nascido nos anos 70.
Enquanto isso, aquela fera adolescente cheia de espinhas, o heavy metal, chegou aos anos 80 com uma agenda multifacetada. Afirmando sua reivindicação como uma forma de arte legítima, por mais crua que fosse, o metal expandiu suas inúmeras possibilidades, graças a líderes como Metallica e Megadeth. E alguns praticantes do metal injetaram o espírito do rock progressivo mais grandioso dos anos 70.
Nada poderia impedir a disseminação do metal no início dos anos 1980. Para muitos dos primeiros fãs do metal, o punk rock já era coisa do passado, o new wave era impossivelmente fraco e as antigas bandas de hard rock tinham perdido o fio da meada. Uma nova legião de bandas, fãs, fanzines e gravadoras independentes pontilhavam a paisagem, energizadas pelos pais fundadores e pela mais contemporânea NWOBHM. A popularidade e a participação estavam no auge. Nos EUA, cada estado parecia ostentar sua própria resposta ao Judas Priest. Vestidos com couro, spandex, cintos de bala e peles de animais, demônios como Wild Dogs do Oregon, Armored Saint da Califórnia, Jag Panzer do Colorado, Znowhite de Illinois e Manowar de Nova York ajudaram a liderar a investida. Junto com esses puristas, o metal rapidamente se ramificou em uma variedade de subgêneros, do glam vulgar da cena de Hollywood ao thrash metal que irrompeu via Metallica, Exodus e Slayer na Costa do Pacífico e Anthrax e Overkill no Atlântico. Onde quer que a luxúria do metal exigisse, as lojas de discos importavam álbuns de lugares distantes como Suécia e Japão. Essa máquina de metal estava em todo lugar, alimentada pela adrenalina juvenil e um desejo por algo mais novo, mais pesado e mais radical do que o velho e simples rock de rádio.
Desse miasma frenético emergiram o Queensrÿche do estado de Washington e o Fates Warning de Connecticut, duas bandas que vieram a definir o metal progressivo. Os jovens que formaram essas bandas aprenderam sua arte através do Black Sabbath, Rush, Scorpions e Iron Maiden. Ambos gravaram seus primeiros álbuns em 1984. Ambos alegaram influência do prog rock e outras fontes não-metal, mas acima de tudo, os pioneiros do prog metal como Rush e Iron Maiden dominaram o som de cada banda. Com o Queensrÿche e o Fates Warning, a tocha estava prestes a ser passada, pois eles logo desenvolveram formas mais ambiciosas e originais de metal com visão de futuro.
O Queensrÿche transcendeu completamente o gênero metal nos últimos anos, mas seu som inicial é puro heavy metal — e esmagadoramente influenciado pelo Iron Maiden e Judas Priest, aliás. Desde a chegada de seu EP autointitulado de quatro músicas em 1983, o Queensrÿche — os tremas meramente cosméticos — provou que havia aprendido as lições certas e como aplicá-las. O vocalista Geoff Tate superou a “sirene de ataque aéreo” do Maiden, Bruce Dickinson, enquanto os guitarristas Chris DeGarmo e Michael Wilton construíram seu trabalho em equipe ao longo dos modelos do Priest e do Maiden.
A ascensão do Queensrÿche à infâmia foi uma das mais rápidas da história do metal. As quatro músicas sombrias e teatrais do Queensrÿche eram inicialmente uma fita demo sugerindo grandes projetos. Quando o underground começou a agitar, a banda lançou seu próprio selo, 206 Records, e gravou a demo de dezoito minutos em vinil — que foi posteriormente adquirida pela grande EMI. Apesar da pouca idade dos membros, a música da banda já era madura em termos de precisão e detalhes.
Aquele ano orwelliano de 1984 trouxe o álbum de estreia do Queensrÿche. A jovem banda havia evoluído significativamente. Dar grandes saltos a cada nova fase era um modus operandi que eles adotaram mesmo em sua primeira encarnação. Produzido por James Guthrie — mais conhecido por coproduzir The Wall do Pink Floyd — The Warning expandiu a vibração medieval do EP, mas a composição parecia elevada, reduzindo a velocidade e a energia bruta do material anterior. As guitarras de The Warning tinham uma textura sedosa, mais régia do que estridente. O controle vocal e a gama melodramática de expressão de Geoff Tate eram inegáveis, compostos pela produção em camadas espessas e ricamente overdub. Bruce Dickinson do Iron Maiden e Rob Halford do Judas Priest transformaram o canto de registro agudo em uma forma de arte do metal — agora Tate o levou a um novo nível teatral. O treinamento formal com o Maestro David Kyle nos primeiros dias de Tate aguçou seu talento. Sua mãe também cantava profissionalmente, e seu primo cantava na Ópera de Cincinnati. A proeza vocal bombástica parecia estar no sangue do homem.
The Warning era habilidoso, o assunto desprovido de clichês, as performances e a escrita obsessivamente exigentes. A ambiciosa composição do álbum foi elevada a um nível sublime pelo trabalho de produção ornamentado de Guthrie, criando um som redondo e quente atípico para o metal. “Roads to Madness” foram dez minutos de melodrama gigantesco, colocando os lamentos trágicos e lamentosos de Tate em grande uso. A banda com visão de futuro saltou sobre as portas dos alçapões dos estereótipos do dungeon-metal, mais notavelmente na peculiaridade da ficção científica de “NM 156”, um conto de choque futuro paranoico que empregava efeitos sonoros amplamente estranhos ao gênero na época. O Queensrÿche parecia estar explorando conscientemente a facção mais intelectual do público do metal, e logo seus métodos meticulosos valeram a pena.
Em uma carreira onde o movimento perpétuo para a frente era a chave, o Queensrÿche deu seu maior salto à frente no final de 1986 com Rage for Order. O álbum foi uma saída óbvia, e até mesmo a nova imagem da banda era estranha e diferente. A contracapa exibia os cinco membros em uma espécie de modo visual kei japonês, vestidos com túnicas e casacos elaborados. Seus penteados e maquiagem transformaram os membros anteriormente masculinos em divas de aparência efeminada — mais Duran Duran do que Iron Maiden.
Trazendo o produtor Neil Kernon, que havia trabalhado anteriormente com Kansas, Brand X e Hall & Oates, a banda estava claramente buscando algo fora da norma do heavy metal. Rage for Order é uma obra-prima de produção, lisa sem parecer antisséptica, limpa sem falta de vitalidade. O brilho digital futurista e a variedade de truques de estúdio sugeriram ainda mais que a banda não estava nem remotamente interessada em aderir às diretrizes então rígidas do metal. Qualquer coisa que tornasse o álbum uma experiência mais completa, eles tentaram. Em vez de deixar a tradição ditar seu curso, eles elaboraram novos projetos.
Mesmo décadas após seu lançamento, os efeitos de sintetizador frio, leitos exuberantes de teclados, sombras cinematográficas e várias outras sutilezas de Rage for Order dão a ele uma atmosfera única para um álbum de metal. Os títulos das músicas por si só são incomuns: “Neue Regel,” “Screaming in Digital,” e “Chemical Youth (We Are Rebellion).” O álbum confundiu as linhas entre a emoção humana nua e o futurismo mecânico frio, enquanto o timbre triste e melancólico de Tate cobria um véu gótico sobre faixas como “I Dream in Infrared” e “London.”
A dramática canção de perseguição “Gonna Get Close to You”, originalmente da artista canadense de pop/new wave Lisa Dalbello, foi uma inclusão corajosa e curiosa. A canção combinava com o clima sombrio e paranoico do álbum e evitava soar como uma novidade descartada. A banda ousada selecionou “Gonna Get Close to You” como o único videoclipe do álbum e recebeu uma generosa exibição na MTV ao longo de 1987 — colocando Rage for Order nas mãos e ouvidos de um público que talvez não tivesse notado de outra forma. Embora não tenha sido um grande sucesso na época, Rage for Order conquistou um respeito notável com o passar dos anos. Sua abordagem finamente detalhada e atitude futurista superaram o resto do grupo em 1986; o álbum continua sendo um marco do metal progressivo.
O sucessor do Rage for Order, Operation: Mindcrime, expandiu consideravelmente a popularidade da banda, mas sua chegada em 3 de maio de 1988 foi recebida com entusiasmo apenas pelos convertidos anteriormente — a princípio. Mindcrime está no auge do período mais progressivo do Queensrÿche. No produtor Peter Collins, a clareza e a limpeza do Queensrÿche encontraram seu par perfeito. Collins foi responsável pelo brilho liso e quase antisséptico de Power Windows e Hold Your Fire do Rush, e seus métodos funcionaram igualmente bem para Operation: Mindcrime. O álbum foi baseado em uma ambiciosa linha narrativa que felizmente foi fácil de seguir e claramente comunicada. Enquanto muitos álbuns conceituais estão atolados em narrativas confusas, clichês ou complicadas, esta história da prostituta que virou freira Mary, da viciada Nikki e do manipulador Dr. X fluiu persuasivamente do começo ao fim. A música tinha espaço para respirar, nunca totalmente aproveitada a serviço das letras volumosas.
Os elementos mais desafiadores de Operation: Mindcrime existem principalmente nas margens, digeridos adequadamente apenas com uma audição focada. A peça inteira era ambiciosa, mesmo para esta banda, mas reduzida a componentes básicos, as músicas eram as mais simplificadas do Queensrÿche até o momento. Apenas a “Suite Sister Mary” de onze minutos explora a estruturação expandida em vez dos padrões tradicionais de composição. Músicas como “I Don’t Believe in Love” e “Eyes of a Stranger” sugeriram uma abordagem de rock mais mainstream — algo que a banda abraçou totalmente em seu próximo álbum.
Dez músicas completas formaram a base de Operation: Mindcrime, preenchidas com cinco diálogos e interlúdios de efeitos sonoros, alguns desviando para terreno experimental. “Electric Requiem” não é exatamente Stockhausen, mas mostrou a banda colorindo liberalmente fora das linhas. Todos os temas conceituais extras, efeitos sonoros e transições criaram uma jornada de duração de álbum, muito melhor absorvida em sua totalidade do que em partes. O enredo, sua apresentação hermética, o cenário realista e a caracterização vívida, todos clamavam por expansão para multimídia. Nove das quinze faixas do álbum geraram videoclipes — lançados coletivamente como Video: Mindcrime em 1989 — mas a banda esperou vários anos antes de apresentar o álbum inteiro ao vivo.
O Queensrÿche ainda era basicamente uma banda cult quando Operation: Mindcrime foi lançado em meados de 1988. Eles continuaram pagando suas dívidas como um ato de abertura enquanto buscavam um público maior. Abrir para o Metallica em sua turnê norte-americana “Damaged Justice” não foi ruim, e foi parcialmente responsável por iniciar a onda de interesse no álbum. Finalmente, bem em 1989, Operation: Mindcrime se firmou com as massas. Assim que a banda estava pronta para sair da estrada para escrever seu próximo álbum, a MTV começou a exibir o vídeo de “Eyes of a Stranger”. As vendas do álbum dispararam. Operation: Mindcrime ganhou disco de ouro um ano após seu lançamento e ganhou status de platina em 1991, enquanto sua lenda continuava a crescer.
Apesar da qualidade de muitos de seus outros trabalhos, Operation: Mindcrime ainda eclipsa todas as outras gravações do Queensrÿche. O enredo do álbum está aberto a uma interpretação mais ampla que aborda conspiração política, hipocrisia religiosa, terrorismo e a crença de que nada na vida é preto e branco. A história lida com o mal no bem, o bem no mal e a confusa área cinzenta entre eles. A exploração de temas universais por Operation: Mindcrime chamou a atenção do ator/cantor indicado ao Tony Award Adam Pascal (Rent) duas décadas após seu lançamento, e em 2009 Pascal anunciou que, com a bênção da banda, Operation: Mindcrime seria desenvolvido como uma produção musical no estilo da Broadway, abrindo a música da banda para um público totalmente novo.
A tentação de gravar uma sequência para Operation: Mindcrime perseguiu o Queensrÿche por anos. Em 2006, eles finalmente cederam. Operation: Mindcrime II foi apenas uma sombra da primeira parte, embora tenha se tornado seu álbum mais bem recebido em anos. Muito tempo havia se passado, junto com uma série de álbuns que não foram exatamente aclamados como grandes obras. Operation: Mindcrime II provou mais uma vez que sequências de filmes, livros ou álbuns de enorme sucesso geralmente carecem da grande inspiração que deu origem aos originais.
Em retrospecto, embora as origens da banda nunca tenham desaparecido, Operation: Mindcrime provou ser o último álbum full-on metal do Queensrÿche. Seu desejo de se ramificar do gênero mostrou sua forte presença no Empire de 1990, e eventualmente a saída se tornou completa. “Estamos sempre tentando experimentar”, Geoff Tate confirmou em 1988. “Ficamos entediados sempre fazendo as mesmas coisas. Resolvemos isso tentando ser diferentes, fazendo as coisas de forma diferente. Às vezes funciona, às vezes não, mas é assim que você aprende. Um ótimo exemplo é o AC/DC — eles lançam um álbum semelhante a cada ano. Isso é legal, mas conosco, as pessoas nunca sabem realmente o que faremos a seguir. É esse elemento surpresa. Estamos explorando isso desde o EP.”
O avanço do Queensrÿche em águas mais comerciais no Empire rendeu bons frutos. A espaçosa e orquestral canção de sucesso “Silent Lucidity” — muito parecida com o Pink Floyd, com seu sotaque inglês afetado e solo de guitarra crescente, estilo David Gilmour — expôs a banda a um público totalmente novo, alheio ao seu metal medieval inicial. Músicas elegantes e prontas para o rádio, como “Another Rainy Night (Without You)“, e rockers descomplicados, como “Jet City Woman“, aumentaram seu apelo mainstream. Não muito do Empire se assemelhava ao seu antecessor inebriante. Embora ainda fosse claramente o trabalho de uma equipe cerebral, o Empire era notavelmente acessível. Assim como o Metallica fez em seu álbum homônimo de virada, o Queensrÿche alcançou um público mais amplo com o Empire ao aprimorar seu som em direção à acessibilidade mainstream, mantendo sua meticulosidade, mas cortando as complexidades evidentes de trabalhos anteriores.
As vendas multiplatinadas de Empire finalmente dotaram o Queensrÿche de amplos recursos para levar Operation: Mindcrime para a estrada. Com duração de dezoito meses e abrangendo três continentes, a turnê “Building Empires” equilibrou músicas de Empire com algumas preciosidades mais antigas obrigatórias, enquanto todo o álbum Operation: Mindcrime formou sua peça central. Com cenários de vídeo e um slot completo de atração principal, Operation: Mindcrime finalmente recebeu o que merecia. Desde então, o álbum se tornou sagrado na discografia da banda, frequentemente nomeado ao lado de outros álbuns conceituais lendários, como Tommy do The Who e The Wall do Pink Floyd.
O enorme sucesso no início dos anos 90 trouxe um tempo de descanso para os membros exaustos do Queensrÿche, e uma longa pausa após a campanha do Empire trouxe uma banda mais introspectiva de volta à prancheta. Gravado lentamente entre meados de 1992 e meados de 1994, Promised Land ficou aquém das alturas comerciais de seu antecessor, mas ainda vendeu mais de um milhão de cópias. Artisticamente, só pode ser visto como um sucesso. Promised Land é um álbum relativamente contido, desprovido do rugido dos velhos dias de metal do Queensrÿche, mais introspectivo do que a vibração de vamos resolver os problemas do mundo do Empire, e ainda tão cerebral e afinado como sempre. Atmosfera taciturna, letras reflexivas e performances mais soltas indicavam que os jovens prodígios de Seattle estavam deixando de lado sua juventude e seu passado metal.
Promised Land coroou o primeiro arco evolutivo da banda e colocou as rodas em movimento para o próximo. Depois disso, o Queensrÿche se despiu consideravelmente e escreveu músicas com uma atitude de rock moderno mais leve e solta. Eles fizeram muito para ampliar os parâmetros do metal, mas, por sua vez, eles estavam fartos de tudo isso.
“Estamos muito mais maduros e exploramos muitas áreas musicais”, disse Geoff Tate mais tarde. “Foi uma jornada interessante fazer parte desta banda e deste crescimento musical, desta mudança musical. Começamos na cena do metal, sendo influenciados por ela, e com o tempo pegamos nossas influências e as moldamos em nosso próprio estilo significativo que é muito reconhecível. Estamos interessados em abrir novos caminhos. Se deixarmos algumas pessoas para trás, que assim seja. Nosso trabalho de vida não foi apaziguar as pessoas. Escrevemos música por nossas próprias razões para nós mesmos — não escrevemos para mais ninguém.”
Perseguido por comparações com o Queensrÿche durante boa parte dos anos 80, o Fates Warning de Connecticut continua lendário no metal progressivo. Muitos julgaram o Fates Warning inferior ao ‘Rÿche em quase todos os aspectos — exceto na música. Contrato com grandes gravadoras, transmissão de rádio, turnês em estádios, grande perfil — o Queensrÿche sempre teve mais dessas coisas. Mas musicalmente, as realizações do Fates Warning poderiam encher um livro. Desde a formação em 1982, a banda gerou vendas de catálogo totalizando bem mais de um milhão de álbuns — todos com o selo independente de longa data Metal Blade. E o guitarrista Jim Matheos sozinho supervisionou cada segundo de sua longa e interessante jornada.
Como muitos de seus contemporâneos do início dos anos 80, Fates Warning estudou atentamente o trabalho de mestres como Iron Maiden, Judas Priest e Scorpions. No entanto, em vez de fazer covers das músicas mais populares nos primeiros ensaios, Fates mostrou uma afinidade pelo material mais esotérico dessas bandas: não “Run to the Hills”, mas “Strange World“; não “Breaking the Law”, mas “Beyond the Realms of Death“; não “Rock You Like a Hurricane”, mas “Pictured Life“. Seus padrões eram altos e eles aprenderam bem suas lições. Logo, Fates Warning estava escrevendo originais que se destacavam fortemente contra os de seus heróis.
Liderados por Matheos e pelo letrista/vocalista John Arch, os primeiros Fates Warning eram obviamente derivados de seus professores. Seu primeiro álbum, Night on Bröcken de 1984, foi um começo promissor com algumas falhas gritantes. Os dons da banda mal surgiram na superfície. Apesar de algumas joias — a faixa-título, “The Calling” e especialmente “Damnation” — Night on Bröcken foi prejudicado por uma gravação fraca e uma arte de capa cafona. O disco foi lançado com duas capas diferentes, ambas horrendas. Uma reedição posterior trouxe uma terceira e muito melhor imagem de capa, uma simples fotografia da lua.
O salto da banda de Night on Bröcken para The Spectre Within de 1985 foi extraordinário, notavelmente melhorado em todos os departamentos. A guerra perene do Fates Warning com a estagnação havia começado. A faixa principal do Spectre, “Traveler in Time“, parecia conter mais partes e mudanças de andamento do que todo o primeiro lado de sua estreia. A energia bruta ainda era inerente, mas as guitarras eram arredondadas, com uma extremidade inferior mais grossa, e a produção trouxe à tona a essência carregada de desgraça da banda. A melancolia encobria o arranjo ornamentado da música, e Arch adicionou gravidade com lamentos expressivos e tristes. “Traveler in Time” encontrou a banda tentando enfiar toneladas de informações musicais em um pequeno espaço, o que eles realmente não tinham feito na estreia. Eles soavam como o Iron Maiden explodindo em um caleidoscópio cósmico e infundidos com o espírito do Rush. E esta foi apenas a primeira música do álbum, já elevando a barra.
As duas músicas seguintes recuaram um pouco em relação ao primeiro álbum, mas depois disso Fates Warning nunca mais olhou para trás. “Pirates of the Underground” foi um comentário abarrotado de riffs sobre a vizinhança musical da banda. Liricamente, era pesado com simbolismo e duplo sentido, logo se tornariam marcas registradas do Arch. Com essa música, o vocalista começou a brincar com aliteração, uma tradição mantida pela banda em vários álbuns subsequentes.
As três músicas da segunda metade do The Spectre Within definem o ambicioso período inicial da banda. A primeira delas é “The Apparition“, um conto de vida do nascimento à morte. Apesar de todo o seu potencial banal, a prosa poética do Arch se elevou acima das armadilhas clichês. Levada por riffs emocionantes e melodias de guitarra crescentes, a música é assombrosa e emocionalmente eficaz. “Kyrie Eleison” começa com o zumbido baixo de monges cantando, construindo um momento frenético que transmite desgraça e tristeza, apesar de seu ritmo rápido. A mais próxima “Epitaph” levou o metal a novos reinos de drama e desespero ao longo de doze minutos exóticos e ornamentados.
Spectre Within diferenciava o Fates Warning de quase todos os outros no underground do metal, embora paralelos pudessem ser traçados com a banda dinamarquesa Mercyful Fate, uma influência inicial do Matheos. O Spectre era mais sombrio e complexo do que até mesmo Iron Maiden ou Queensrÿche, e lidava com suas imagens de fantasia de forma inteligente, passando por cima das armadilhas clichês de magos, dragões e riffs desajeitados e de segunda categoria.
Depois que Awaken the Guardian foi lançado em 1986, The Spectre Within parecia um mero aquecimento. O novo guitarrista prodígio Frank Aresti, um músico continuamente subestimado, revigorou o núcleo de Matheos, Arch e a seção rítmica Steve Zimmerman (bateria) e Joe DiBiase (baixo). A banda agora estava bem equipada para atingir a grandeza. A atmosfera de Awaken the Guardian era densa, cheia de estranhas mudanças rítmicas e padrões de riffs pouco ortodoxos, pedindo aos ouvintes que processassem uma quantidade quase opressiva de informações em quarenta e oito minutos. Foi um sublime passo à frente, igualmente moderno e medieval — ao mesmo tempo avançado e antigo.
Ao longo de Awaken the Guardian, os arranjos são tecidos de padrões complexos usando riffs impossivelmente densos. Embora a música fosse movimentada, os padrões vocais de Arch eram absolutamente frenéticos. Usando sua voz artisticamente, ele frequentemente pintava imagens com “aaahhs” fonéticos e contorcia palavras em pronúncias estranhas — nunca tropeçando enquanto enfiava pilhas de letras em cada estrofe. O fluxo do álbum é notável considerando seus altos detalhes e complexidade.
A natureza complicada de Awaken é equilibrada com momentos mais suaves e lineares. “Guardian” é tão emocionalmente conectivo quanto “The Apparition” do álbum anterior, embora muito mais sereno, com belos detalhes de Arch. Apenas a única composição de Aresti, “Giant’s Lore (Heart of Winter)”, relaxa as frequentes mudanças de andamento. Antes de 1986, nenhuma banda havia transcendido a norma do heavy metal com o nível de sensibilidade e complexidade inerentes a Awaken the Guardian.
Os fãs ficaram chocados com a demissão de John Arch em 1987. Depois que o vocalista colocou uma marca tão forte na identidade da banda, sua demissão foi uma decisão arriscada. Arch ficou tão chocado quanto os fãs. “Vou ser sincero — naquela noite, tomei quase meio litro de vodca. Eu estava tão fora de mim. Eu estava no chuveiro e não conseguia me sentir e foi uma experiência muito ruim.”
Julgando o material dos anos 1980 do Fates Warning com Arch, Jim Matheos é caracteristicamente crítico: “Sempre pensei que era como olhar para um álbum de fotos antigo. Você olha para si mesmo e diz: ‘Cara, que idiota! O que eu estava pensando?’ Por outro lado, eu aprecio que as pessoas gostem, porque eu ouço as coisas antigas das minhas bandas favoritas, como as coisas que o Rush fez nos anos 70, e penso: ‘Uau, isso é incrível.’ Tenho certeza de que eles são do mesmo jeito; eles ouvem e encontram todas as coisas que estão erradas nele. Com exceção de alguns pontos aqui e ali, eu meio que me encolho e não quero ouvir.”
Apesar do desconforto entre as duas partes, a saída nunca levou a uma animosidade total. Arch fez uma aparição especial no palco com a banda vários anos depois para cantar “Guardian”, e as relações entre o vocalista e Matheos foram amigáveis e, por um breve período, criativamente produtivas. Mais de vinte anos depois, a era Arch do Fates Warning mantém um culto de seguidores leais. “Isso fez algum tipo de diferença”, diz Arch. “O objetivo por trás disso é estimular a imaginação das pessoas e fazer contato com as pessoas, e esperar que elas tirem algo disso. Estou surpreso que muitas pessoas ainda estejam nisso.”
Fiel à sua forma, Fates Warning marchou à frente, assegurando aos fãs que o substituto de Arch seria digno. Eles arrancaram o novo vocalista Ray Alder da banda de metal do Texas Syrus e gravaram o álbum número quatro. No Exit (1988) atingiu novos picos musicais e comerciais para Fates, apresentando a banda a um público totalmente novo graças às exibições ocasionais do vídeo de “Silent Cries” do MTV Headbangers Ball. John Arch não era o vocalista mais acessível, e Awaken the Guardian estava longe de ser uma audição fácil. No Exit foi uma pílula mais fácil de engolir. Embora ainda 100% Fates Warning, esta nova versão da banda soou menos misteriosa. Alder tinha poder e controle fantásticos, e provavelmente um alcance mais amplo do que Arch. Sua voz era perfeita para a nova abordagem modernizada da banda.
Com um título inspirado na peça homônima de Jean-Paul Sartre (o material de leitura de Matheos na época incluía pensadores como Sartre e Arthur Rimbaud), No Exit encontrou um Fates Warning mais robusto e resistente, distanciando-se de elementos mais delicados e carregados de fantasia. Mas eles não reprimiram seu lado ambicioso — os vinte e dois minutos de “The Ivory Gate of Dreams” engoliram toda a segunda metade de No Exit. Acenando na direção das canções épicas do Rush dos anos 1970, “The Ivory Gate of Dreams” desafiou outras bandas de metal progressivo a escrever faixas de longa duração igualmente audíveis e compreensíveis.
“The Ivory Gate of Dreams” deixou uma marca indelével em futuros músicos de metal progressivo, entre eles o guitarrista Jasun Tipton, que formou o Zero Hour com seu irmão gêmeo, Troy, no início dos anos 1990. “Meu irmão e eu realmente gostamos do No Exit”, ele diz. “A primeira vez que um dos nossos amigos tocou ‘The Ivory Gate of Dreams’ para nós, olhamos um para o outro e sabíamos que tínhamos que ir até a loja de discos. Pegamos um ônibus e compramos. Foi demais!”
Novamente expandindo e explorando, Fates Warning trouxe o baterista do Warlord, Mark Zonder, para o sucessor de No Exit. Não havia comparação entre o novato e o baterista original Steve Zimmerman. Zimmerman era capaz, mas Zonder era alucinante. Ele estava muito familiarizado com Fates Warning, tendo já trabalhado no estúdio com o produtor Bill Metoyer durante a gravação de The Spectre Within e Awaken the Guardian, até mesmo afinando a bateria de Zimmerman. Mas Zonder não era fã das músicas mais agressivas do No Exit, como “Anarchy Divine” e “Shades of Heavenly Death“. Na verdade, ele hesitou quando Matheos o abordou para se juntar a ele.
“Se você ouvir No Exit”, diz Zonder, “há uma surra séria acontecendo. Não me sinto confortável tocando em bandas que não gosto. Tenho que estar nisso. Não posso simplesmente entrar em uma banda por entrar em uma banda. Mas Jim me disse que eles queriam se livrar de Steve para seguir em uma direção diferente. Eles sabiam que ele não conseguiria. Mas são necessários todos os tipos. Os bateristas que ganharam mais dinheiro e tocaram com as maiores bandas do mundo não são o que você considera bateristas incríveis, como Peter Criss e Ringo Starr — eles não são Vinnie Colaiuta e Steve Gadd, sabe? Então não é que Steve seja ruim ou que eu seja bom. Para onde Fates Warning foi, acho que uma mudança foi importante.”
As inspirações de Zonder variaram de soul/funk/R&B, como Tower of Power, aos roqueiros progressivos dos EUA, Kansas, ao onipresente Rush. “Eu voltava do ensino médio e ouvia All the World’s a Stage do Rush — ‘Bastille Day’, ‘In the Mood‘, ‘Anthem’. E Grace Under Pressure é um dos meus álbuns favoritos de todos os tempos”, ele diz. “Na verdade, não houve um disco do Rush que tenha me decepcionado.”
A maior influência do baterista, no entanto, não foi Neil Peart, mas Aynsley Dunbar, particularmente dos três primeiros álbuns do Journey. “Aquela coisa era progressiva, na minha mente. ‘Of a Lifetime‘, do primeiro disco do Journey, toda aquela bateria naquela música, eu costumava voltar da escola e simplesmente roubá-la. Foi lá que aprendi toda a coisa do chimbau, onde aprendi aquelas coisas sincopadas e lineares.”
A abordagem de Zonder teve um efeito tremendo na música do Fates Warning, e Perfect Symmetry de 1989 marcou uma grande mudança. A arte da capa elegante de Hugh Syme, que trabalhou com o Rush desde 1975, sinalizou que a banda havia virado a esquina. Com um novo logotipo simplificado substituindo o antigo e volumoso, o álbum não parecia muito metal. Adeus logotipo old-school e arte de fantasia — olá polirritmias e quartetos de cordas.
A produção do Perfect Symmetry foi técnica e clínica, um berço frio para lamentos amargos como “Chasing Time” e o penetrante “The Arena“. O metal que corria pelas veias do Fates Warning tornou-se mais fino e detalhado à medida que a banda equilibrava a melodia com seu trabalho rítmico mais complexo até então. A uniformidade da gravação emprestou ao álbum uma atmosfera monocromática de dia chuvoso que combinava com os tons de cinza da arte — mas algumas músicas escapam para um mundo mais colorido. Por exemplo, gagueiras rítmicas complicadas e tempo imprevisível introduziram o som da era Zonder na abertura de “Part of the Machine“. “Through Different Eyes” foi a música mais cativante e pronta para o rádio da banda até então. Um quarteto de cordas liderou a banda através do instrumental “At Fates’ Hands“, revelando a influência do rock progressivo do Rush e do Kansas. Os ritmos nervosos do King Crimson também ecoam na torrente instrumental da seção principal.
Com Perfect Symmetry, Jim Matheos iniciou um tema lírico recorrente: as provações do envelhecimento, sentir-se desgastado e — como diz a música — não ter “nada a dizer”. Um verso da faixa final do álbum sintetiza as visões de Matheos sobre a passagem do tempo: “E por trás do disfarce de um homem com uma causa / Há uma criança gritando / Sem nada a dizer”. Essa era a realidade amarga e fria de uma banda que se sentou em torres de fantasia vários anos antes.
Com Arch há muito tempo, o líder da banda Matheos assumiu a tarefa de escrever letras. “Não sou de escrever músicas de ficção”, diz ele. “Tenho que escrever sobre as coisas em que penso. Se você está tocando músicas longas em tons menores, não faz muito sentido destilá-las com letras alegres. Quando estou me sentindo feliz ou me divertindo, não é o momento em que quero correr para o estúdio e me expressar. Quero aproveitar o momento. Mas quando você está deprimido ou contemplativo, esse é o momento em que você quer expressar esses pensamentos.”
Na década de 1990, o Fates Warning foi simplificado ainda mais. O sexto álbum, Parallels, viu o produtor do Rush, Terry Brown, no comando, e Hugh Syme novamente criando a arte da capa. A banda agora via claramente um modelo no Rush. Eles buscavam linhas cada vez mais diretas e acessíveis, como seus heróis canadenses fizeram nos anos 80. Trabalhar com Brown — há muito considerado o quarto membro do Rush — foi um destaque na carreira do Fates Warning. “Eu amo esse cara”, diz Matheos. “Ele é ótimo, e hoje em dia o considero um amigo. Aqueles álbuns do Rush foram uma grande influência para mim. O Rush é provavelmente uma das minhas três principais influências. E com Terry Brown, nós realmente trabalhamos bem juntos. Foi muito confortável, e ele sempre tem ótimas ideias.”
Parallels (1991) deu o primeiro passo em um caminho que o Fates Warning ainda trilha hoje. Enquanto “Life in Still Water” e a tremenda “The Eleventh Hour” relembraram a complexidade do álbum anterior, as outras seis músicas foram notavelmente elegantes, pendendo para o pop em “We Only Say Goodbye” e “Eye to Eye”.
Essa tendência continuou com Inside Out, de 1994, onde o complexo “Monument” foi cercado por uma tarifa melódica e cativante, como “Down to the Wire” e “Shelter Me”. Fiel à natureza da banda, grande parte da música era calma, até mesmo sombria, mas em um contexto comercial de som moderno, semelhante ao Promised Land do Queensrÿche. Uma das músicas de destaque do álbum, “Face the Fear”, permaneceu afiada e brilhante, com nuances melódicas saborosas e os ritmos complicados de Zonder trabalhando furtivamente sob o material de superfície simples.
Apesar de um público dedicado, muitos elogios da crítica e sete álbuns excelentes, o sucesso mainstream continuou a iludir o Fates Warning. Nesse ponto, a formação da banda — a mais estável da história do grupo — se fragmentou. Os principais membros Joe DiBiase e Frank Aresti saíram após o lançamento de Inside Out.
O Fates Warning continuou a mudar sua formação, até mesmo contratando membros temporários para turnês, como o guitarrista Bernie Versailles — dos comerciantes de speed metal Agent Steel, e dos proggers modernos Redemption — e o tecladista/guitarrista Shaun Michaud da banda de prog metal new-school Event. Após a abordagem mais direta de Inside Out, muitos pensaram que os dias experimentais da banda estavam para trás, mas o Fates Warning se recuperou em 1997 com A Pleasant Shade of Gray. O álbum explorou a melancolia dos dias chuvosos que permeou seus trabalhos anteriores, novamente auxiliado pelo produtor Terry Brown. A música com a duração do álbum foi dividida em doze movimentos, uma audição exigente de cinquenta e quatro minutos. APSOG — como os fãs da banda o apelidaram desde então — provou ser um dos álbuns mais elogiados do catálogo da banda. Até Zonder é inequívoco em sua avaliação do álbum: “Acho que A Pleasant Shade of Gray é a melhor coisa que o Fates Warning já fez. Ponto final. Fim de papo.”
Apesar da separação em 1987, Jim Matheos e o ex-vocalista John Arch trabalharam juntos novamente. O lançamento solo de 28 minutos A Twist of Fate em 2003 marcou a primeira viagem de Arch ao estúdio de gravação em mais de quinze anos. As duas longas músicas que compõem A Twist of Fate curaram a ferida da demissão muito precoce de Arch do Fates Warning. Era fácil esquecer que era 2003, muito tentador imaginar que era assim que o quarto álbum do Fates Warning da era Arch poderia ter soado.
Matheos continua orgulhoso de A Twist of Fate. “Eu adoraria sentar com John Arch por seis meses e escrever um disco completo”, diz ele. Mas mesmo que alguns fãs pensassem que ele preencheu a lacuna entre Awaken the Guardian e No Exit, Matheos discorda. “Lembre-se, há vinte anos e muitas experiências de vida entre Awaken the Guardian e A Twist of Fate. Não importa como soaria ‘FW4’ com John Arch, não seria nada parecido com A Twist of Fate.”
Fates Warning e Queensrÿche se moveram paralelamente a uma variedade de colegas na década de 1980, compartilhando estilos semelhantes e, em alguns casos, influenciando outras bandas diretamente. No noroeste do Pacífico, o Heir Apparent de Seattle atraiu muitas comparações com seus irmãos reais Queensrÿche. A estreia da banda em 1986, Graceful Inheritance, mostrou uma banda que já estava buscando o sublime. Havia alguma engenhosidade em exibição, e a atmosfera de majestade épica do álbum ainda é valorizada pelos fãs do som e da era. Três anos depois, o segundo e último álbum do Heir Apparent, One Small Voice, revelou uma gravação mais habilidosa e uma abordagem de composição mais ocupada. Apesar da maturidade e memorabilidade dos originais “The Fifth Season” e “Cacophony of Anger”, sua decisão de fazer um cover de “The Sound of Silence” de Simon & Garfunkel eclipsou o resto das músicas em análises e veiculação em rádios universitárias. Heir Apparent merece crédito por vencer os conterrâneos de Seattle, Nevermore, na capa por mais de uma década.
No sudeste, o Crimson Glory da Flórida modelou sua estreia autointitulada de 1986 seguindo as influências usuais do Iron Maiden/Judas Priest, adicionando uma astúcia que lembra o Queensrÿche. O primeiro álbum do Crimson Glory ofereceu uma composição concisa e o estilo agudo e penetrante do vocalista Midnight, nascido John Patrick McDonald. A imagem da banda era estranha e lembrava a encenação teatral do Genesis — cada membro usava uma máscara prateada, escondendo o rosto sob aço frio e rígido.
Embora as máscaras tenham chamado a atenção, sua música falava por si. Quando o segundo álbum do Crimson Glory, Transcendence, chegou em 1988, a imprensa quase se esqueceu dos rostos prateados. A coleção de dez músicas foi amplamente elogiada por críticos e fãs e continua sendo uma pedra angular sagrada do prog metal. Transcendence trouxe um aspecto do Led Zeppelin para “In Dark Places”, “Painted Skies” e a mística faixa-título. Melodias orientais abundam, e os Robert Plant-ismos do Midnight são inegáveis. As melodias de aço e a musicalidade estelar da banda combinam com influências dos anos 70 e composições mais maduras e sublimes. O álbum empurrou o futurismo frio de Rage for Order do Queensrÿche para um lugar menos claustrofóbico e mais etéreo. Desde o momento de seu lançamento, Transcendence tinha “clássico” escrito por toda parte.
O sucessor, Strange and Beautiful, de 1991, apresentou uma formação alterada do Crimson Glory e um som que reunia um simulacro do Led Zeppelin, um Mötley Crüe mais exótico e a emergente cena de rock/metal alternativo. As máscaras de marca registrada também desapareceram. O álbum fracassou espetacularmente. O vocalista Midnight saiu para seguir carreira solo, enquanto uma nova formação ofereceu o mal recebido álbum de retorno de 1999, Astronomica. Depois, a banda, em vários disfarces, ameaçou continuamente retornar e perseguir o legado de seus dois primeiros álbuns, sem sucesso. A morte do Midnight em julho de 2009 — devido à insuficiência renal e hepática total — garantiu que a banda original nunca recuperaria sua antiga glória.
Outra banda da Flórida, Savatage, manteve uma carreira mais longa que Crimson Glory, sobrevivendo ao abuso de substâncias, mudanças de formação e tragédia total. Depois de começar a vida como Avatar em 1979, a banda mudou seu nome e se transformou num dos pioneiros do metal teatral. Com as primeiras gravações Sirens e The Dungeons are Calling, Savatage serviu carne e músculo para jovens metaleiros em todo o planeta, enquanto insinuava ambições maiores. Em Hall of the Mountain King de 1987, a banda seguiu o guitarrista Criss Oliva através de uma interpretação espirituosa de “In the Hall of the Mountain King” do compositor norueguês Edvard Grieg.
Com Gutter Ballet em 1989, a banda progrediu ainda mais. Inspirada pelas impressões do vocalista/tecladista/compositor principal Jon Oliva, sobre uma apresentação em Toronto do musical The Phantom of the Opera, a música de Savatage se tornou mais teatral. O produtor e membro de fato da banda Paul O’Neill, que fez turnê como guitarrista com os musicais Hair e Jesus Christ Superstar, encorajou Savatage em direção aos floreios dramáticos ouvidos em “When the Crowds are Gone” e “Gutter Ballet”.
O’Neill ajudou a impulsionar Savatage para reinos grandiosos. Após seus dias no teatro musical, o nativo de Nova York trabalhou para a gigante de gestão de rock Leber-Krebs Inc. Como um promotor de shows de sucesso no Japão, ele trabalhou com Madonna e Sting. Sua perspicácia geral para negócios era afiada, mas seus primeiros amores foram escrever e se apresentar, e Savatage foi sua chance de reenergizar esses impulsos criativos. O’Neill assinou como produtor de Hall of the Mountain King. Dois anos depois, ele ostentava tantos créditos de composição no Gutter Ballet quanto Jon e Criss Oliva.
O’Neill considerou os irmãos Oliva incrivelmente talentosos, mas achou que eles precisavam de direção. Ele espremeu cada grama de visão de Criss e Jon enquanto explorava sua própria habilidade inata. “Para algumas bandas”, diz O’Neill, “tudo o que você pode fazer é martelar alguns pregos e juntar algumas tábuas, e isso é bom — faça isso da melhor forma que puder. Mas esses caras conseguiram construir o Taj Mahal e criar belas estruturas épicas. Enquanto muitas pessoas se esforçavam, eles fizeram isso sem esforço. Para mim, Jon e Criss estavam no nível artístico de Michelangelo.”
No álbum Streets: A Rock Opera em 1991, o Savatage praticamente se tornou uma banda de metal off-Broadway. Sua grandiosidade foi recebida com muitos elogios ou com total escárnio, mas os irmãos Oliva e O’Neill criaram um novo nicho para o Savatage: sua curiosa mistura de metal tradicional, grandiloquência, Broadway e baladas satisfez um público que ninguém sabia que existia até então.
Curiosamente, nessa conjuntura, Jon Oliva se afastou para atuar como um membro consultor nos bastidores, assumindo um papel de figura paterna semelhante ao de O’Neill. A saída de Oliva foi controversa. Ele anunciou que se concentraria totalmente em sua outra banda, Doctor Butcher, e em grandes projetos para um musical chamado Romanov — mas depois de uma viagem bem divulgada para a reabilitação em 1988, alguns jornalistas e fãs presumiram que sua luta contra o vício em drogas e álcool havia ameaçado não apenas a qualidade de sua voz, mas sua capacidade de suportar a vida na estrada.
Os fãs ficaram perplexos quando o virtualmente desconhecido Zachary Stevens se tornou o novo vocalista do Savatage. Uma reinvenção óbvia e inevitável, Edge of Thorns de 1993 foi menos ornamentado do que Streets, mas continuou no mesmo caminho suave e movido a melodia.
Edge of Thorns foi recebido surpreendentemente bem, mas tudo foi desviado depois de 17 de outubro de 1993, quando Criss Oliva foi morto por um motorista bêbado. O irmão Jon admitiu que a banda poderia muito bem ter morrido com Criss, mas ele continuou a dirigir o grupo, junto com O’Neill, em um esforço para manter viva a visão de seu irmão. A formação do Savatage mudava constantemente, acomodando, entre outros, Jon, que vagava por diferentes papéis conforme necessário.
Apesar das inconsistências, a banda lançou um conjunto de álbuns que atraíram aclamação contínua pelo heavy metal dramático e melódico, o mais reverenciado sendo Dead Winter Dead de 1995. Depois de Poets and Madmen de 2001, a banda entrou em hiato indefinido. Mas o Savatage deixou sua marca — a banda que começou com as músicas de quebrar crânios “The Whip” e “By the Grace of the Witch” acabou se tornando uma grande influência para muitas bandas que povoavam o movimento do metal progressivo dos anos 1990.
Romanov, de Jon Oliva, nunca viu a luz do dia, mas depois de 1996 ele encontrou enorme respeito e sucesso fora do mundo do metal com a Trans-Siberian Orchestra, que ele fundou com Paul O’Neill e vários outros membros de longa data do Savatage. O T-SO é essencialmente uma versão metálica do prog alemão que virou sensação da música natalina Mannheim Steamroller. O grupo de vários membros colheu enormes vendas e se apresentou para mais pessoas do que o Savatage jamais sonhou. Sua abordagem sinfônica à música tradicional de Natal, tocada principalmente por músicos de metal experientes, tem sido extremamente bem-sucedida desde sua formação, alcançando vendas de platina em quase todos os lançamentos.
E SE?
A editora de histórias em quadrinhos Marvel Comics começou uma série em 1977 intitulada What If? Cada edição explorava uma realidade alternativa, algo que poderia ter acontecido no Universo Marvel, mas que acabou falhando em se materializar. Edições como “E se o Homem-Aranha tivesse se juntado ao Quarteto Fantástico?” e ”E se o Capitão América se tornasse presidente?” atraíam o geek hardcore da Marvel.
Há muitos cenários What If? no Universo Metal que vale a pena ponderar: E se Kerry King do Slayer tivesse permanecido no Megadeth? E se Paul Di’Anno nunca tivesse deixado o Iron Maiden? E se o Black Sabbath nunca tivesse descoberto as drogas? Um dos mais intrigantes: E se Ron Jarzombek tivesse se juntado ao Fates Warning? (Coloquem seus capacetes de geek, pessoal, estamos entrando…)
Em 1986, o Fates Warning começou a busca por um guitarrista para substituir o membro original Victor Arduini. Enquanto o guitarrista do Demonax, Frank Aresti, finalmente conseguiu o emprego e entrou em estúdio com a banda para gravar um pequeno álbum chamado Awaken the Guardian, um jovem guitarrista de seis cordas do Texas chamado Ron Jarzombek estava perto de conseguir o emprego.