“Eu escuto o que está por aí, mas não pensaria em sair e comprar um álbum do Bon Jovi ou do Mötley Crüe e colocá-lo no meu toca-discos. Essas coisas não me empolgam. Se eu vou gastar tempo ouvindo música, vai ser algo muito selvagem como Paganini, um violinista clássico do século XVIII. Esse tipo de coisa faz sua cabeça girar e seu sangue ferver mais rápido do que qualquer metal que eu poderia ouvir.”
—Dave Mustaine, Megadeth
O rock and roll foi uma invenção americana nascida na década de 1950 da intersecção de artistas negros de rhythm and blues e crooners brancos. Figuras como Bill Haley, Buddy Holly, Chuck Berry e Elvis Presley definiram o novo gênero. No entanto, a maioria dos principais movimentos de rock desde então surgiu do Reino Unido. A invasão britânica começou com os Beatles de Liverpool, que reinventaram a iconografia pop e abriram caminho para os Rolling Stones e o Who. As bandas de Midlands, Deep Purple e Led Zeppelin, adicionaram peso à propulsão do rock, e o rock progressivo surgiu com Pink Floyd, Procol Harum e Moody Blues. O Black Sabbath deu à luz a fera do heavy metal em Birmingham, com os companheiros Brummies do Judas Priest seguindo em seu rastro. Então veio a explosão punk da moda em Londres dos Sex Pistols e do Clash. Mais tarde, movimentos e bandas significativas, do Britpop ao Radiohead e Coldplay, reinventaram as fórmulas do rock e do pop e encontraram grande aclamação.
Em 1979, um movimento musical especialmente veemente surgiu no Reino Unido. Primeiramente chamado na imprensa de “New Wave of British Heavy Metal” — ou NWOBHM — pelo editor da Sounds, Geoff Barton, essa era incrivelmente prolífica foi a produção explosiva de crianças criadas com Black Sabbath, UFO e Judas Priest. Embora punks e metaleiros fossem facções socialmente guerreiras, novas bandas de metal britânicas pegaram a velocidade e a intensidade inerentes ao punk e construíram algo mais compacto. Combinando riffs duros como pregos, velocidade bruta e músicas curtas e cativantes, essas jovens bandas de metal ofereceram centenas de singles e álbuns de selos independentes ou mesmo autolançados. O speed metal nasceu aqui, graças à energia fora dos trilhos de protótipos como Jaguar, Savage e Raven, seguindo uma trilha recém-aberta pelos estadistas mais velhos do Motörhead.
Das duas maiores bandas que surgiram da NWOBHM, Def Leppard disparou rapidamente para o estrelato pop, enquanto o Iron Maiden fundiu a grande imaginação de uma banda como o Rush com uma intensidade implacável que deixou todas as outras comendo poeira. Steve Harris formou a primeira versão do Iron Maiden no final de 1975, inspirado por bandas inglesas de vários tipos. Por anos, o Iron Maiden resistiu às tempestades do punk e depois do new wave. Eles mudavam constantemente de formação, perseverando contra o preconceito antimetal até se tornarem uma das maiores histórias de sucesso do gênero.
Enquanto os punks tentavam extinguir o “rock de dinossauro”, Harris se deleitava com seus excessos, até mesmo aumentando o nível. A energia do punk e dos heróis locais de Londres, Motörhead, foi fundamental para o som inicial do Iron Maiden, mas também o foram Uriah Heep, Wishbone Ash, UFO e Jethro Tull.
Igualmente influentes foram os álbuns de prog com os quais Harris cresceu, como Foxtrot e Nursery Cryme do Genesis, e A Tab in the Ocean e Recycled do Nektar. “Coisas como ‘The Musical Box‘ do Genesis ainda me dão arrepios”, diz Harris. “Isso mudou completamente minha vida. Eu achei incrível pra caramba, e imediatamente quis tentar tocar essas coisas sozinho.”
Quando as músicas do Yes e do Genesis se mostraram um começo muito difícil para o jovem baixista, Harris praticou com os discos do Deep Purple e do Free. No entanto, a franqueza do metal antigo e os elementos escapistas do prog clássico acabaram se unindo em suas composições. Fundindo temas de fantasia, terror e ficção científica com arranjos multicamadas e a selvageria contundente do metal, o Iron Maiden abriu caminho para o metal progressivo nos anos 80.
O enorme sucesso global do Maiden foi fundado em um apelo amplo. Sua intensidade atraiu headbangers exigentes, enquanto a narrativa épica e a composição musical atraíram roqueiros progressivos mais velhos em busca de uma versão mais robusta de seus heróis desaparecidos dos anos 70. No entanto, o grupo permaneceu acessível como pessoas, apenas cinco caras comuns. O Iron Maiden deixou a música, as letras e as capas selvagens dos álbuns marcarem a identidade da banda.
As letras nunca foram o principal ponto de venda do heavy metal. A onda de poder musical e a catarse da terapia do grito são elementos-chave do som de muitas bandas de metal, enquanto as letras geralmente ficam manchadas e borradas pela entrega vocal exagerada. Já no início dos anos 1980, letras trash de sexo e festa eram um clichê do metal usado em excesso. No entanto, mesmo em seus primeiros dias, o Iron Maiden apresentou um pacote completo: toda aquela tempestade e estresse vieram completos com um assunto bem pesquisado e instigante. Sua estreia em 1980 ofereceu “Strange World“, que parecia saído diretamente de um romance de fantasia da velha escola – um reino exótico onde as meninas bebem “vinho de plasma” e ninguém nunca envelhece. Batalhões de adolescentes, sem dúvida, pegaram livros de Edgar Allan Poe e Frank Herbert depois de ouvir “Murders in the Rue Morgue” e “To Tame a Land”, canções do Maiden inspiradas por esses autores. Da mesma forma, as bibliotecas do ensino médio em 1984 certamente viram um aumento no interesse pela coleção Lyrical Ballads de Samuel Taylor Coleridge depois que Maiden criou uma canção de treze minutos em torno do poema épico de Coleridge “The Rime of the Ancient Mariner”.
O Iron Maiden trouxe uma abordagem mais inteligente ao metal — eles foram os grandes transformadores de paradigmas que o Rush foi para o hard rock, e que o Metallica se tornaria mais tarde. A horda de Harris avançou implacavelmente a cada álbum, no espírito dos favoritos do prog rock do baixista, buscando e se estendendo cada vez mais, até atingir o pico em Seventh Son of a Seventh Son, de 1988.
Ao longo dos sete álbuns da primeira e mais importante fase do Iron Maiden, suas músicas foram baseadas em uma variedade de assuntos interessantes e incomuns: Alexandre, o Grande, O Fantasma da Ópera, Egito antigo, a Bíblia (particularmente o livro do Apocalipse), o abstrato programa de TV britânico The Prisoner, e até mesmo “The Loneliness of the Long Distance Runner“, um conto obscuro do autor britânico Alan Sillitoe. Atendendo cuidadosamente às narrativas musicais e líricas profundamente fluidas, Harris e os outros compositores proeminentes da banda, o vocalista Bruce Dickinson e o guitarrista Adrian Smith, evitaram o caricatural apesar de seu entusiasmo juvenil.
Tão zelosos quando se tratava de turnês, no final da campanha mundial de 1984-85 para Powerslave, os membros do Iron Maiden estavam exaustos. Depois de se recuperar do exaustivo borrão de 193 datas, Dickinson abordou a prancheta com grandes ideias. “Se dependesse de mim, o sexto álbum teria soado muito diferente”, ele diz. “Senti que tínhamos que criar nosso Physical Graffiti. Tínhamos que levá-lo a outro nível, ou estagnaríamos e simplesmente nos afastaríamos. Achei que era o momento certo para fazermos algo audacioso, algo vasto e ousado.”
Dickinson — um grande admirador do Van der Graaf Generator e seu vocalista, Peter Hammill — poderia ter esperado que ele teria facilidade em convencer o colega fã de prog Harris de suas ideias. Mas não foi o que aconteceu. Harris e o resto da banda rejeitaram rapidamente as músicas acústicas de Bruce. “Ele chegou com algumas que realmente não combinavam”, lembra Harris. “Não foi porque era acústico, ou mesmo porque era um tipo de coisa muito diferente. Não achamos que era bom o suficiente, realmente.” Um tanto desanimado, Dickinson ainda parece desapontado: “Acabamos de fazer outro álbum do Iron Maiden.”
Mas o Somewhere in Time resultante não era exatamente o mesmo velho Maiden. Sintetizadores de guitarra foram introduzidos, chocando muitos fãs. Em Piece of Mind, de 1983, o Maiden ostentou a pureza do metal com o credo: “Sem sintetizadores ou segundas intenções”. Em Somewhere in Time, no entanto, eles abraçaram a tecnologia moderna, resultando em um som mais suave. As guitarras eram cósmicas e distantes, enquanto a produção de Martin Birch emprestava uma textura curiosamente suave. Era um Iron Maiden maduro e adulto. Em uma época em que bandas como Slayer e Kreator estavam levando o metal a novos limites de intensidade, o Maiden não se preocupou em competir — eles até foram para o outro lado.
Embora não tivesse créditos de composição em Somewhere in Time, Dickinson continuou pressionando por uma mudança radical no som. A reinvenção que ele esperava nunca veio completamente, mas Seventh Son of a Seventh Son de 1988 deu um passo em direção a algo novo e diferente. Agora amplamente reconhecido como o pico criativo da banda, Seventh Son estava mais próximo da visão de Dickinson para o álbum anterior. Desta vez, Harris abordou Dickinson sobre fazer um trabalho conceitual completo. Embora o resultado final não tenha sido tão grandioso quanto o vocalista havia imaginado — ele lutou por um álbum duplo — a química revigorada da composição rendeu resultados impressionantes. Seventh Son instantaneamente se tornou um favorito dos fãs, e o álbum teve um bom desempenho em níveis comerciais e críticos. A produção de Martin Birch deu ao álbum uma aura apropriadamente fantástica, enquanto algumas das músicas mostraram a banda se esforçando ao máximo. Guitarras acústicas entraram em cena, a composição foi mais colaborativa do que antes, e o escopo de músicas como “Moonchild“, “Infinite Dreams” e a faixa-título de dez minutos viu o Maiden reivindicar um novo ponto alto.
Seventh Son of a Seventh Son poderia ter sido um fracasso espetacular. Apesar de sua natureza comprometida, ele foi além de Somewhere in Time em termos de melodia, elaboração, tecnologia e complexidade conceitual. Seu sucesso provou que o público do Iron Maiden estava pronto para explorar águas desconhecidas com eles. De forma reveladora, o sucessor do Seventh Son, o muito mais simples No Prayer for the Dying, é visto como um álbum menor do que os anteriores. Talvez o Maiden tenha pensado que os fãs estavam prontos para um álbum mais cru e despojado, mas a reação a No Prayer indicou o contrário.
E se o Iron Maiden, como Bruce Dickinson propôs, tivesse se estendido em um álbum de alto conceito de longa duração inspirado no prog? O mundo nunca saberá, mas as bandas que surgiram em seu rastro e sob sua influência, como Fates Warning e Dream Theater, apresentaram suas próprias respostas a essa pergunta.
A leste da Inglaterra, através do Mar do Norte, o movimento underground do metal da Dinamarca também rugia alto em 1983. Bandas de metal de spandex e couro como Witch Cross, Evil e Maltese Falcon estavam ativas no território, e o país mais tarde se tornou um viveiro de metal progressivo graças a nomes como Royal Hunt, Wuthering Heights e Beyond Twilight. Mas a exportação de metal mais importante da Dinamarca até hoje continua sendo o influente e um tanto bizarro Mercyful Fate.
O material da era dos anos 80 do Mercyful Fate levou os limites da forma metal. Seu excêntrico vocalista, King Diamond, retratou vários personagens e cobriu uma variedade de registros vocais, o mais notável sendo um falsete penetrante e assustador. Nascido Kim Petersen, a imagem do King Diamond foi derivada dos deuses do rock teatral Arthur Brown e Alice Cooper. Um indivíduo atencioso e bem falante fora do palco, Petersen desenvolveu o alter ego King Diamond em torno de seu amor pela ficção de terror e seu alinhamento com a marca filosófica de satanismo de Anton LaVey. Pintura facial medonha e um microfone montado em um crucifixo invertido feito de ossos de fêmur e tíbia humanos forneciam uma forte identidade visual para a música da banda — que era excepcional mesmo sem os apetrechos teatrais.
“Satan’s Fall” de onze minutos do Mercyful Fate, do álbum Melissa de 1983, foi inspirado no prog dos anos 70 tanto pelo seu escopo quanto pelas suas inúmeras mudanças de tempo. Muitas vezes brincando com dissonância harmônica e assinaturas de tempo incomuns, a banda, com seu tom oculto e sombrio, estava a quilômetros de distância de colegas satânicos imprudentes como o Venom. O trabalho de guitarra de Hank Shermann e Michael Denner provou ser uma combinação afortunada; seus estilos complementares, execução imaginativa e sensibilidade melódica elevaram a musicalidade da banda a níveis sublimes. Qualquer um disposto a olhar além das imagens e letras controversas do Mercyful Fate encontrou um metal de natureza notavelmente sofisticada.
A lenda do Mercyful Fate continuou muito depois de sua separação em 1985. Membros do Metallica, Megadeth, Watchtower e Dream Theater notaram ansiosamente o impacto da banda dinamarquesa. “Uma das grandes influências para nós que muitas vezes é esquecida, e uma banda que deveria ser considerada uma das pioneiras do metal progressivo, é o Mercyful Fate”, diz o guitarrista do Fates Warning, Jim Matheos. “Todos nós achamos a música incrível. Eles estavam fazendo coisas novas e interessantes muito antes de nós.”
Quando o trabalho começou em 1985 em um terceiro álbum do Mercyful Fate, o parceiro de composição de Diamond, Hank Shermann, começou a trazer músicas pop para a mesa. Desentendimentos sobre a direção da banda logo levaram à queda do Mercyful Fate. Diamond pegou o guitarrista Denner e o baixista Timi Hansen e seguiu em frente com uma nova banda com seu nome artístico. Com dois novos membros talentosos completando o quinteto, o material do King Diamond deu vários saltos técnicos à frente do Mercyful Fate, atingindo o pico nos álbuns Them e Conspiracy do final dos anos 80. Apesar de uma porta giratória de músicos e alguns álbuns posteriores menos que lendários, King Diamond permaneceu prolífico e manteve o calibre de desempenho alto. Em particular, seu guitarrista e parceiro de composição, Andy LaRocque, permaneceu uma constante ao longo das duas décadas de carreira da banda.
Mike Portnoy, do Dream Theater, também cita os dinamarqueses como uma influência inicial. “Eles eram progressivos, absolutamente”, diz ele. “Em meados dos anos 80, quando eu estava procurando bandas que fossem pesadas e progressivas, aqueles álbuns do Mercyful Fate e do King Diamond foram grandes influências para mim. Ao mesmo tempo em que eu estava descobrindo o Fates Warning e o Watchtower, eu também estava amando o Abigail and Them do King Diamond.”
Inspiradas pelos nomes maiores e menos conhecidos da NWOBHM, as bandas de metal americanas do início dos anos 80 logo seguiram o modelo operacional de gravar demos, lançar discos de sete polegadas e assinar contratos com as novas gravadoras independentes que surgiam em todos os lugares. A maioria delas eram simples guardiãs da chama, vestidas de jeans e couro. Algumas, como o Anvil Chorus de São Francisco, passaram do básico para um híbrido mais desafiador de rock progressivo e o novo metal cada vez mais intenso. Inspirando-se na NWOBHM e fundindo-a com a influência de bandas de rock progressivo contemporâneas como U.K., Saga e FM, músicas como “Blue Flames”, “European” e “Tales” ofereceram um tipo de metal que teria recebido mais elogios uma década depois, após o sucesso da banda Dream Theater de Long Island abrir as comportas para essa abordagem. O Anvil Chorus estava muito à frente da curva, tocando metal verdadeiramente progressivo quando Queensrÿche e Fates Warning ainda estavam tirando as influências do Iron Maiden e do Judas Priest de seus sistemas.
Em 2009, o Anvil Chorus finalmente lançou seu álbum de estreia, The Killing Sun — gravações novas de músicas de suas demos do início a meados dos anos 80. O fracasso da banda em conseguir qualquer tipo de contrato com uma gravadora em sua fase inicial atrofiou seu crescimento e limitou seu impacto. No entanto, outros do underground saudável da Califórnia logo tiveram sua chance de empurrar os limites do metal ainda mais longe. Como o Iron Maiden antes deles, o Metallica e o Megadeth elevaram o nível de ambição e os padrões de desempenho de seu gênero. Surgindo de uma árvore genealógica compartilhada de Los Angeles, ambas as bandas se tornaram as principais impulsionadoras e porta-estandartes no nascente underground do thrash metal.
A história inicial do Metallica é lendária e bem documentada: formado em Los Angeles em 1981 e se mudando para São Francisco no início de 1983, o Metallica era formado por jovens cheios de entusiasmo e inspiração, pioneiros de um novo som de metal, que, contra todas as probabilidades, se tornaram uma das maiores bandas da história do rock. Entre a energia juvenil do clássico do speed metal Kill ’Em All, de 1983, e o monumento multiplatinado Metallica de 1991 (também conhecido como “o Álbum Preto”), o Metallica gravou três álbuns que não podem ser ignorados em nenhuma discussão sobre a vanguarda do metal.
Abrangendo de 1984 a 1988, Ride the Lightning, Master of Puppets e …And Justice for All fundiram intensidade com inteligência. Muitas outras bandas de thrash levaram seu trabalho a sério, mas o Metallica projetou uma confiança e profundidade que outras não tinham. A banda fundiu a crueza de suas inspirações punk e Motörhead, com a ambiciosa proeza de composição dos heróis da NWOBHM, como o Diamond Head. E então eles levaram isso mais longe. O Metallica lidava com ritmos detalhados e propulsivos, mas havia uma sensibilidade melódica subjacente única. O Metallica inicial era agourento e épico, como a ópera wagneriana, mas sua ferocidade ia muito além das composições clássicas. Na verdade, o Metallica foi uma das primeiras bandas de metal a ser comparada à música clássica, devido aos movimentos de suíte de seus arranjos mais complexos; o senso melódico bombástico; a multidão de mudanças de tempo e oscilações de humor; e a grandiosidade arrebatadora. Eles também contornaram clichês de gênero com letras socialmente relevantes e introvertidas/introspectivas — sublinhadas pelos riffs tensos e abrasivos de James Hetfield e, por um tempo muito curto, o trabalho de baixo inovador de Cliff Burton.
A abordagem sensível, porém bestial, de Cliff Burton ao baixo era incomum. Enquanto Steve Harris, do Iron Maiden, liderava sua banda com seu baixo, Burton foi alguns passos além. Um conhecimento de música clássica informou a escrita e execução de Burton nos instrumentais épicos do Metallica “The Call of Ktulu“, “Orion” e “To Live Is to Die“. Com sua abordagem pouco ortodoxa, seu amor por bandas tão variadas quanto Misfits, Rush e Lynyrd Skynyrd, e sua personalidade única, Burton deixou uma marca inestimável no som do Metallica.
O baterista Lars Ulrich lembra do impacto das composições de Burton. “Cliff foi responsável por muitas coisas que aconteceram entre Kill ‘Em All e Ride the Lightning”, diz ele. “Ele expôs a mim e a James um horizonte musical totalmente novo de harmonias e melodias, e obviamente isso é algo que influenciou muito nossas habilidades de composição. Ele foi uma grande parte do que o Metallica fez, mesmo depois de não estar mais conosco.”
O Metallica ultrapassou os limites e provou ser extremamente influente dentro e fora do mundo do metal. Eles se tornaram embaixadores do gênero, transformando muitos ouvintes não metaleiros nas possibilidades do gênero, e forçaram outras bandas de thrash a apertar suas abordagens e levar a sério — para evoluir ou apodrecer na estagnação. A morte trágica de Burton em setembro de 1986 foi um grande golpe pessoal para os membros da banda, e uma perda musical geral — provocando muita especulação sobre quais direções ele poderia ter reservado para o Metallica.
No auge de sua produção artística na década de 1980, o Metallica era uma banda de metal revigorantemente inteligente. E eles eram totalmente progressivos. Depois que aperfeiçoaram o thrash metal, eles o deixaram para trás e partiram para explorar outras áreas. Graças em grande parte ao Metallica, os céticos tiveram que finalmente aceitar o metal como uma forma de arte legítima e duradoura. Quando o escritor do Metal Forces, Dave Constable, revisou Master of Puppets após seu lançamento em 1986, ele afirmou que o Metallica havia se tornado tão essencial quanto Led Zeppelin, Deep Purple e Iron Maiden. O que pode ter parecido um exagero na época certamente foi confirmado pelo tempo.
Como muitas bandas, o Metallica passou por dificuldades iniciais de crescimento, passando por várias formações antes de encontrar a química perfeita. Um membro descartado foi o guitarrista Dave Mustaine. Amargurado após ser inesperadamente dispensado do Metallica pouco antes de começarem a gravar seu primeiro álbum, Mustaine jurou vingança, e sua arma de represália foi o Megadeth. Sua missão: tocar mais rápido, mais firme, mais pesado e melhor do que o Metallica — e qualquer outro. Para esse fim, Mustaine selecionou a improvável dupla do guitarrista Chris Poland e do baterista Gar Samuelson, já unidos por tocarem juntos em bandas de jazz fusion. Completado pelo baixista Dave Ellefson, o Megadeth lançou dois álbuns com essa formação, estabelecendo um novo padrão para o thrash metal.
Killing Is My Business…and Business Is Good (1985) e Peace Sells…but Who’s Buying? (1986) exibiam ideias rítmicas incomuns e riffs de guitarra pouco ortodoxos. Enquanto a seção rítmica disparava como um trem desgovernado, os riffs soavam como discos sendo girados para trás em um toca-discos. Se o Megadeth superou ou não o Metallica é discutível, mas as guitarras duplas de Mustaine e Poland certamente superaram o Metallica. Com Mustaine fornecendo destreza em velocidades infernais e Poland arrancando notas bizarras do éter, a abordagem do Megadeth foi convincente e inovadora. Mas atormentada pelo vício em drogas e conflitos de personalidade, a formação original estava condenada. Poland e Samuelson saíram, desencadeando uma série de mudanças na formação. Durante todo o tempo, os dois Daves mantiveram altos padrões de desempenho e composição que atingiram o pico com Rust in Peace, de 1990. Apresentando os novos membros Marty Friedman e Nick Menza, Rust in Peace foi uma enxurrada de precisão e fluidez, cumprindo a reivindicação do Megadeth de ser “a banda de speed metal de última geração do mundo”.
Os rejeitados originais do Megadeth se mudaram para projetos que exibiam ainda mais seus enormes talentos. Poland desapareceu por alguns anos, mas retornou em 1990 com o álbum solo instrumental Return to Metalopolis, e ele revisitou o formato instrumental dez anos depois com Chasing the Sun. Enquanto isso, ele passou a primeira metade da década de 1990 trabalhando no Damn the Machine, uma banda que ele formou com o irmão baterista Mark Poland. O único álbum do Damn the Machine, o autointitulado álbum de estreia de 1993, apresentava letras politicamente carregadas e um metal texturizado e elegante que estava de certa forma à frente de seu tempo. Inteligente, melódico e maduro, e com arte do artista de longa data do Rush, Hugh Syme, o Damn the Machine não conseguiu ganhar muita atenção além do nível cult. Uma turnê europeia com o Dream Theater e uma excursão americana com o Voivod ajudaram a aumentar a visibilidade da banda, mas o Damn the Machine fechou cedo demais — eles estavam completamente extintos em 1995.
Mais tarde, em Ohm, Poland encontrou o tipo de aclamação que não recebia desde que deixou o Megadeth. Os álbuns de Ohm foram bem recebidos por fãs de jazz, metal e prog. Derivado de grandes nomes do jazz fusion como Return to Forever, Brand X e Mahavishnu Orchestra, Ohm completou o círculo de Poland, de volta à música que tocava antes de ele e Samuelson se juntarem à equipe infernal de Mustaine.
O falecido Gar Samuelson foi menos prolífico depois do Megadeth. Ele ressurgiu em meados dos anos 90 com o Fatal Opera, cujo thrash de campo esquerdo foi apresentado em dois álbuns completos. No final da década, eles já haviam desaparecido na obscuridade. O Fatal Opera se autodenominava “fusion metal”, uma combinação de thrash, metal tradicional e hard rock, apimentado com pop, jazz e elementos alternativos — o resultado não é tão confuso quanto parece.
Embora nenhum álbum do Megadeth tenha levado o metal tão longe quanto o melhor trabalho do Metallica, um milhão de detalhes de bom gosto nas músicas colocam Mustaine e companhia quilômetros à frente da maioria. Em meio ao barulho violento, são encontrados uma variedade de riffs e arranjos estranhos e complicados. O barulho tenso de “Black Friday” tem Mustaine e Poland enredados em guitarras densas e ritmo jazzístico infernal indutor de transe. A introdução da música, “Good Mourning”, oferece teatralidade épica a par dos movimentos de abertura do álbum do Metallica. Os fãs de tech metal discordam se a sincopação intrigante de “Loved to Deth” é desleixada ou simplesmente genial. “Set the World Afire” e “Holy Wars…The Punishment Due” são criadas a partir de labirintos de riffs seriamente loucos. Em nenhum lugar há uma exibição mais inspiradora de destreza rítmica e duelos de guitarras gêmeas ardentes do que os minutos finais de “Hangar 18”. Exemplos da perplexidade metálica do Megadeth são quase incontáveis.
Embora o estilo de riffs de Dave Mustaine seja amplamente derivado de Mercyful Fate e Diamond Head, suas ideias sobre profundidade de composição remontam um pouco mais. “Presence do Led Zeppelin”, ele diz. “Devo ter ouvido aquele disco umas cem vezes e ouvido algo diferente a cada vez. É como se você ouvisse um disco do Rush, você ouve todas essas coisas, mas então na próxima vez você ouve algo diferente. E muito desse tipo de pensamento veio de mim ouvindo muito Pink Floyd. Está escondido lá. É um doce para os ouvidos.”
Os passos exploratórios do Black Sabbath, Rainbow, Judas Priest e Scorpions — e a hibridização prog/metal total do Rush — já estavam no passado do heavy metal. A base estava pronta, permitindo a adulteração completa das fórmulas básicas do metal. Embora Iron Maiden, Mercyful Fate, Metallica e Megadeth possam não ser as primeiras bandas convocadas pelo termo “metal progressivo”, eles entregaram um metal mais inteligente e sofisticado para as massas ao longo dos anos 1980. Essas bandas empurraram o metal para patamares incríveis com álbuns que destruíram os estereótipos rígidos associados ao gênero. O caminho foi pavimentado para uma reinvenção radical — e outras bandas logo apareceram que fizeram da revolução do metal sua única missão.