“O Black Sabbath foi extraordinário, porque tinha raízes no rock progressivo, no blues e no jazz. Alguns dos primeiros trabalhos do Sabbath são extraordinários de ouvir porque têm todos esses elementos, mas estão envolvidos nesse novo som, nessa nova maneira de escrever música.”
—Rob Halford, Judas Priest
Há muito tempo a ovelha negra da grande cena do rock, o rock progressivo e o metal estão inextricavelmente ligados desde o início. Ambos sofreram rejeição crítica; nenhum foi levado a sério, e os formadores de opinião tinham pouca utilidade para ambos. Os dois estilos estavam fadados a se cruzar, colidir e conspirar.
Ao longo da década de 1970, o rock progressivo e o heavy metal inicial se moviam em conjunto, girando em eixos de selvageria, escapismo e métodos anticomerciais. Eles compartilhavam muitas semelhanças, e grande parte da árvore genealógica do metal até mesmo deriva do rock progressivo. O guitarrista do Black Sabbath, Tony Iommi, foi membro do Jethro Tull por alguns segundos fugazes no final de 1968, mas retornou para seus companheiros no Earth, que rebatizaram a banda de Black Sabbath em 1969.
O bom e velho heavy metal dos anos 1970 era algo feio e bestial que não conseguia respeito e não estava procurando por nenhum — apenas uma massa incompreendida de cabelo desgrenhado e volume ridículo. Muitas bandas da época fizeram grande arte e uma boa vida seguindo o ditado confiável: “Se não está quebrado, não conserte”. Em meio à tempestade e à fanfarronice, outros transformaram a forma em um zilhão de formas diferentes; o resultado de bravura, talento, visão, inquietação, talvez até tédio. Mesmo durante seus primeiros anos, o metal provou ser uma forma de música surpreendentemente viável e maleável, paralelamente ao nascimento e ao crescimento subsequente do jazz no início do século XX.
O ponto exato em que o heavy metal se tornou distinto do rock and roll é discutível, mas a estreia do Black Sabbath no início de 1970, Black Sabbath (álbum), é o ponto de partida geralmente aceito. O estupro e a pilhagem do blues rock do álbum seminal, remodelado e transformado em algo mais feio, encontraram gravidade mais profunda por meio de cantos tristes e um pulso rítmico sinistro. Assim que a banda chegou à cena, eles obliteraram as noções de rock and roll como mero entretenimento. Seu som pulsante e deprimente era assustador para os de fora, mas uma terapia muito necessária para os membros da banda e seus jovens ouvintes. O Black Sabbath enfrentou problemas pessoais e globais de frente — este não era outro artista alimentando o público com doces para os ouvidos facilmente digeríveis. Sua música ainda fornecia fuga, o que todo bom rock and roll deveria fazer, mas era totalmente mais chocante e sóbrio do que o que havia acontecido antes.
O Black Sabbath rapidamente ganhou notoriedade por sua marca pesada e intransigente de rock. Os álbuns sucessivos Paranoid (1970), Master of Reality (1971) e Vol. 4 (1972) pintaram imagens sombrias do mundo — a reação da banda à vida neste planeta. Os álbuns também escreveram os primeiros e mais importantes capítulos da história do doom metal. Então, em 1973, um Black Sabbath curiosamente diferente surgiu. Após apenas cinco anos de existência, a banda amplamente creditada por inventar o metal levou seu baque primordial para o território do prog. Tendo feito tudo o que podiam com a fórmula básica, eles claramente decidiram que era hora de seguir em frente.
Os quatro primeiros álbuns do Black Sabbath foram um trovão musical total, sem a nuance e a sutileza do Led Zeppelin e do Deep Purple. Mesmo décadas após a gênese do gênero, muitas bandas modernas ainda seguem uma linha neandertal. Mas assim que o Sabbath e outras bandas de metal antigas tiveram recursos para passar anos inteiros no estúdio, brincando com sensibilidade melodramática e imagens sonoras grandiosas, o gênero se mostrou extraordinariamente flexível.
Para seu quinto álbum, o Black Sabbath permaneceu isolado no estúdio por muitos meses, obcecado pelos mínimos detalhes e ampliando o alcance sonoro de cada música. O resultado, Sabbath Bloody Sabbath, é uma das primeiras provas do potencial notável do metal.
Sabbath Bloody Sabbath marcou a primeira vez que o Black Sabbath produziu um de seus próprios álbuns. Essa nova liberdade se mostrou ao longo de suas oito músicas. As drogas também desempenharam seu papel. Elas faziam parte do funcionamento interno do Sabbath desde o início e foram, sem dúvida, um catalisador na mudança da banda em direção a um território sonoro mais amplo. Álcool, maconha e cocaína eram os favoritos em particular e, embora se possa argumentar que eles podem ter realmente prejudicado a progressão da banda, o surto de crescimento criativo do Sabbath em meados dos anos 70 parece afirmar o contrário. As notas do encarte no Vol. 4 agradecem não muito veladamente a uma de suas substâncias favoritas: “Gostaríamos de agradecer à grande empresa COKE-cola de Los Angeles.”
Indiscutivelmente o primeiro álbum de metal progressivo, Sabbath Bloody Sabbath estava cheio de atmosfera sublime e textura exótica. A banda levou com sucesso sua iconoclastia de chumbo para reinos mais cerebrais. Gravado apenas um ano após o Vol. 4, em grande parte lento e lamacento, o disco surpreendeu os fãs. “Eu já estava ouvindo Black Sabbath e comprei Sabbath Bloody Sabbath quando ele foi lançado”, diz o futuro empresário do Dream Theater e chefe do selo Inside Out, Jim Pitulski. “Demorou um pouco para entrar, porque era diferente do que eu esperava. Eu sabia que a banda estava tentando ir para outro lugar, e eu não tinha certeza se aprovava. Eu era apenas uma criança e queria ouvir o que me deixava confortável. Essa é a natureza da música progressiva: surpreender as pessoas e mantê-las alertas, e levar os fãs junto com ela.”
Onde Vol. 4, “Wheels of Confusion”, “Planet Caravan” do Paranoid, e outras incursões prepararam o caminho para um Sabbath mais sábio e pensativo, ninguém poderia ter previsto uma música como a elaborada “Spiral Architect”. Fechando o Sabbath Bloody Sabbath, ele pinta um quadro arejado e onírico com letras que são apropriadamente abstratas e surreais. Uma seção de cordas, misteriosamente creditada aos “Phantom Fiddlers”, realça sua textura etérea. A instrumentação extra ao longo da música e do resto do álbum — a maior parte tocada pelos próprios membros — expande a configuração tradicional: violão, piano, cravo, sintetizador, Mellotron, órgão, tímpanos, flauta e gaitas de fole.
O baixista Geezer Butler é inexplicavelmente creditado em “Spiral Architect” com “nariz”, talvez parte do que Tony Iommi chamou de “Rhythm Box”. “Tinha todas essas pequenas coisas, como maracas, triângulos e outras coisas”, diz Iommi. “Tentamos todo tipo de coisa. Sabbath Bloody Sabbath foi o álbum em que começamos a buscar mais, tentando evitar que as coisas soassem iguais ao que tinha acontecido antes.”
Aprimorando as próprias aventuras dos membros fora da formação básica de guitarra/baixo/bateria, veio o lendário tecladista Rick Wakeman, conhecido dos folkies progressivos Strawbs, deuses progressivos por excelência do Yes, e sua ambiciosa produção solo. Seus sons de piano e sintetizador no número de psych-blues “Sabbra Cadabra” são mágicos. Surpreendentemente, Wakeman não foi empregado no “Who Are You” cheio de sintetizadores. Ozzy Osbourne, normalmente ligado ao microfone, é creditado com o sintetizador, assim como o baixista Butler. “Fluff” dá mais profundidade ao álbum com seu tom sereno, quase indiferente. A música — quatro minutos de tranquilidade que superaram “Changes” do álbum anterior — traz Iommi no violão e na guitarra, piano e cravo, com Butler no baixo.
Sabbath Bloody Sabbath foi uma rara saída que repercutiu no público comprador de discos, coincidindo com a fase mais experimental que o rock já havia passado. O álbum ganhou disco de ouro instantaneamente e continua sendo um dos álbuns mais vendidos no catálogo do Sabbath. A Rolling Stone, geralmente metalofóbica, até deu ao disco uma excelente crítica, com Gordon Fletcher chamando-o de “um caso extraordinariamente emocionante”.
O sucesso comercial de Sabbath Bloody Sabbath encorajou esse Black Sabbath mais brilhante e corajoso. A banda passou ainda mais tempo gravando seu próximo álbum, Sabotage, de 1975. Seu modo experimental estava no auge, e Sabotage levou quase dezoito meses para ser feito. De acordo com Iommi, “Naquela época, você não podia pegar samples emprestados ou ter tantos efeitos, então você tinha que fazer o seu próprio por meios mais orgânicos. E isso levou muito mais tempo. Especialmente quando [o baterista] Bill [Ward] começava a peidar, fazendo algum tipo de equipamento estranho para abaixar bigornas na água e gravando o som disso. Tentamos todas essas ideias diferentes, coisas fisicamente desafiadoras. Essas eram as coisas que levavam tempo. Hoje você aperta um botão e ele simplesmente sai.”
Sabotage é o ápice criativo da série original de oito álbuns do Black Sabbath. Ele tem todo o charme e experimentação de seu antecessor, mas expande e amplia tudo. Produzido com profundidade notável mais uma vez pela banda (com Mike Butcher coproduzindo desta vez), o golpe característico do Sabbath é tratado com calor arredondado, enquanto as tangentes aventureiras são mais completamente exploradas do que antes. A banda havia se tornado gênios do estúdio, e a composição era mais fortemente em camadas, como demonstrado nos épicos “Megalomania” e “The Writ”.
O metal sanguinário abre o Sabotage na forma de “Hole in the Sky” e “Symptom of the Universe“. Mas se os momentos finais de “Symptom of the Universe”, estilo Santana, não assustaram os fãs que queriam o antigo Sabbath de volta, talvez o zumbido Fantasia-encontra-Terceiro-Reich de “Supertzar” tenha assustado. E então houve o completamente estranho “Am I Going Insane (Radio)”. Movido por sintetizadores, com graves irreprimíveis e saltitantes, sua beleza bizarra foi baseada em um refrão pop paranoico, cantarolado, mas cheio de desconforto. As composições mais ambiciosas do álbum, “Megalomania” e “The Writ”, estabeleceram um padrão para dobrar o metal em novas formas estranhas.
O tempo gasto mexendo no estúdio valeu a pena. Sabbath Bloody Sabbath e Sabotage continuam a atrair fãs jovens que se aventuram além dos quatro primeiros discos da banda. Geezer Butler continua orgulhoso do período mais aventureiro do Sabbath. “Muitas bandas conseguiam gravar dois ou três álbuns no tempo que costumávamos levar para fazer algumas músicas”, ele diz. “Mas você ainda pode ouvir essas músicas e ouvi-las de uma maneira diferente a cada vez.”
Embora a questão de quem primeiro aplicou o termo “heavy metal” à música tenha sido muito debatida, Sandy Pearlman pode merecer o crédito. Primeiro um escritor para o rock underground dos anos 70, Crawdaddy! e depois o Svengali/mentor/conceitualista do Blue Öyster Cult, Pearlman frequentemente usava o termo para descrever a música pesada nascente da época: Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin e atos mais obscuros como Bang, Captain Beyond, Budgie e Sir Lord Baltimore. Essas bandas surgiram da escuridão e levaram a energia bruta das guitarras distorcidas aos seus limites. E quando o termo “heavy metal” passou a ser amplamente utilizado no final da década, Scorpions e especialmente Judas Priest solidificaram sua essência por meio de sons cada vez mais ousados e explosivos.
Vindo de Long Island, o Blue Öyster Cult desfrutou de enorme popularidade, mantendo-se firme em uma visão única e não necessariamente comercial. Eles encontraram sucesso no nível do Black Sabbath em 1976, com o complexo e convincente “(Don’t Fear) the Reaper” — ainda um marco do rádio de rock clássico. B.Ö.C. explorou conceitos esotéricos e práticas arcanas, misturando alquimia, ciência moderna e filosofia dentro de uma mistura eclética de hard rock, art rock, heavy metal e prog. A Columbia Records tentou marcá-los como “o Black Sabbath americano”, promovendo seu álbum de estreia autointitulado de 1972 como “um panorama de violência e sofrimento”. Mas B.Ö.C. nunca foi tão angustiante. Seus métodos eram mais sutis e seu som menos contundente. Como o baterista e cofundador Albert Bouchard relembra, eles não conseguiam fazer um Sabbath direto: “‘Cities on Flame with Rock and Roll’ foi nossa tentativa de imitar o Black Sabbath”, ele diz. “Nós roubamos a primeira parte de ‘The Wizard’ do Black Sabbath e a segunda parte de ‘21st Century Schizoid Man’ do King Crimson.”
A maior parte da produção do B.Ö.C. não é tão derivada. Quaisquer que sejam as faixas “Wings Wetted Down” e “Flaming Telepaths”; o que quer que Tyranny & Mutation, Secret Treaties e Cultosaurus Erectus transmitam em todo o seu subtexto; a discografia do Blue Öyster Cult é repleta de sublimidade e fascínio. A banda certamente ajudou na fusão do rock progressivo e do heavy metal.
No início dos anos 1970, o futuro vocalista do Black Sabbath, Ronnie James Dio, tocava no Electric Elves, que ao longo de vários anos se transformou no The Elves e, finalmente, no Elf. Em 1974, o baixista do Deep Purple, Roger Glover, recrutou Dio para cantar no ambicioso álbum solo de Glover, The Butterfly Ball and the Grasshopper’s Feast. Entre este álbum e as passagens de Elf como como banda de abertura do Deep Purple, o guitarrista Ritchie Blackmore se apaixonou pelas capacidades vocais de Dio. Blackmore deixou o Deep Purple em 1975 e substituiu seus antigos companheiros por quase toda a formação do Elf, chamando o novo grupo de Rainbow. O Rainbow fez três álbuns com Dio entre 1975 e 1978, perseguindo um som em algum lugar entre o hard rock inteligente da banda anterior de Blackmore, o prog inglês com predominância de teclado e o metal inicial refinado do Rush e do Black Sabbath.
Rainbow foi uma influência fundamental para Mikael Åkerfeldt, do Opeth. Ele os nomeia como uma inspiração muito maior do que o mais popular Rush. “Eu respeito o Rush como inovadores progressivos”, diz Åkerfeldt. “Eu sempre gostei das partes instrumentais, mas fui desligado pelos vocais. Para mim, Rainbow era muito mais importante. Eles eram progressivos, mesmo que não tivessem muitas mudanças de tempo ou batidas estranhas, mas tinham uma sensação épica em seu som.”
Duas músicas do Rainbow em particular se destacam como pedras angulares do prog metal. “Stargazer“, do Rising de 1976, é menos uma música e mais uma jornada. Majestosa e onírica, sua atmosfera raramente foi duplicada. A música provavelmente superou qualquer outra coisa que a banda já fez, mas a mística “Gates of Babylon” do Long Live Rock ‘n’ Roll de 1978 é quase igual. Dio saiu em 1979 para se juntar ao Black Sabbath, fragmentado e sem Ozzy, e gravou duas obras inflexíveis de grandeza do metal com eles, Heaven and Hell e Mob Rules. Mas o Sabbath nunca mais exerceria a liberdade criativa irrestrita de seu período de meados a final dos anos 70, e o Rainbow se mudaria para pastos decididamente mais amigáveis ao rádio nos anos 80.
Assim como as primeiras bandas de rock progressivo, na década de 1970 as primeiras bandas de metal nem sequer tinham um nome para a nova linha musical que estavam criando. O heavy metal naquela época era apenas uma forma mais nova e pesada de hard rock que vinha naturalmente para seus praticantes. O equipamento era mais versátil, os amplificadores conseguiam lidar com volumes mais altos, o mundo estava se tornando mais assustador e os ouvidos das pessoas estavam mais sintonizados com músicas bizarras e perturbadoras. Foi somente por volta de 1977 ou 1978 que o termo “heavy metal” foi regularmente aplicado à música em escala global.
A primeira banda que definiu o metal como um ramo único da árvore do rock and roll e um salto significativo além do hard rock foi o Judas Priest. Vindo de Birmingham, Inglaterra, o berço do Black Sabbath, o material inicial do Judas Priest serviu de inspiração para as futuras bandas de metal progressivo Voivod e Fates Warning, entre muitos outros atos de metal mais tradicionais. Os álbuns mais conhecidos da banda são assassinos simplificados e determinados a lutar pelo couro, mas suas primeiras gravações mostraram uma veia grandiosa que continua sendo um dos “e se” mais convincentes da história da música progressiva.
Rocka Rolla estreou em 1974, inspirado pelos colegas de Birmingham, Black Sabbath, enquanto seguia a escola Wishbone Ash de harmonia de guitarra dupla. O Judas Priest foi uma das primeiras bandas a utilizar dois guitarristas solo, em oposição à abordagem mais comum de guitarra única de bandas como Deep Purple e Black Sabbath, ou as equipes de ritmo/líder como Scorpions e Kiss.
Rocka Rolla soa pitoresco comparado ao trabalho posterior e mais popular do Judas Priest. A banda parece inconsciente de seu destino e livre de expectativas. Após as aberturas lamacentas “One for the Road” e “Rocka Rolla”, a banda está aquecida e pronta para oferecer ideias mais radicais. As quatro partes “Winter/Deep Freeze/Winter Retreat/Cheater” oferecem um doom psicodélico nebuloso, uma tortura de guitarra angustiante ao estilo de Hendrix, melancolia sombria e blues metal de bar, respectivamente. “Run of the Mill” e “Dying to Meet You” da segunda metade são amplas em escopo e arranjo; composições taciturnas, épicas e majestosas que, em retrospectiva, parecem à frente de seu tempo. O lamento do vocalista Rob Halford nos momentos finais de “Never Satisfied” e “Run of the Mill” não está obviamente enraizado no rock, vindo mais de uma influência operística e certamente de um tom ainda mais alto do que os companheiros gritadores Ian Gillan e Robert Plant.
Rocka Rolla é para a discografia do Judas Priest o que Fly by Night e Caress of Steel são para o Rush, e pode ser considerado um companheiro para esses esforços. Mas o Priest claramente tinha um toque mais pesado, com atmosferas tristes e sombrias permeando profundamente o drama. O lado teatral da banda seria totalmente explorado em sua próxima visita ao estúdio.
Sad Wings of Destiny (1976) do Priest chegou no momento em que a sede musical do Black Sabbath estava desaparecendo. Era o momento certo para um renascimento ou reintegração do que o Sabbath havia começado e do que o Rush e o Rainbow estavam levando para o futuro. Brilhante, vigoroso e propulsivo, Sad Wings contrastava com o ritmo lento e nebuloso do Rocka Rolla. Em meio aos vocais abrasadores de Halford e às distintas trocas de guitarras gêmeas de Glenn Tipton e K.K. Downing, tons de pompa do nível Queen podiam ser ouvidos. A gama operística que Halford exibiu no primeiro álbum foi cristalizada em “Dreamer Deceiver“, uma balada outonal que expandiu a melancolia épica da estreia, e “Epitaph”, que se desviou para um modo precário de Beatles-encontra-Broadway que o Priest nunca mais revisitaria. Em outro lugar, a banda disparou faíscas de metalwork de última geração com o cortante “Ripper“; projetos de metal medieval “Tyrant” e “Genocide”; e a abertura épica “Victim of Changes”, que moldou a estrutura expandida da canção, a finesse da performance e a agressão intensificada em uma pedra angular da carreira. Halford e Downing ainda nomeiam “Victim of Changes” como a composição definitiva do Priest.
Álbuns subsequentes viram composições menos ambiciosas do Judas Priest, embora Sin After Sin e Stained Class tenham sua cota de momentos iniciais do metal progressivo. Começando com Hell Bent for Leather de 1978, a banda simplificou e encontrou seu lendário som característico. A composição não era menos excelente, a execução não era menos impressionante, mas seu comprometimento com a bravura e a exploração começou a cair consideravelmente. (O álbum duplo Nostradamus de 2008 sem dúvida ressuscita a propensão do Priest para o prog, embora provavelmente nunca seja considerado seu Tales from Topographic Oceans.)
A década de 1970 deu origem ao heavy metal, e o espírito inquieto da nova forma não demorou muito para se libertar das amarras do baque de três acordes. O material mais ambicioso dos pioneiros do metal pode não ser considerado experimental ou vanguardista à luz do que veio depois, mas seu avanço nas bordas do espectro sonoro mostrou que o gênero, mesmo naquele estágio inicial, não era apenas uma experiência crua e emocionante, mas uma forma maleável de música com possibilidades ilimitadas.
Se Rocka Rolla do Judas Priest parece pitoresco em comparação com álbuns posteriores mais populares, a estreia do Scorpions em 1972 soa positivamente alienígena. Lonesome Crow é claramente um produto da fértil cena psicodélica da Alemanha: solto, blues, cheio de espírito hippie. Soa mais como os irmãos alemães Hairy Chapter ou Jane do que os baladeiros de arena que o Scorpions se tornou na década de 1980. Daí o desgosto dos adolescentes dos anos 80 que pegaram Lonesome Crow depois de se interessarem pelos álbuns mais refinados do Scorpions, como Blackout ou Love at First Sting.
Lonesome Crow foi amplamente inspirado por Jimi Hendrix e Cream. Claramente o trabalho de uma banda ainda em busca de sua identidade, o álbum é provavelmente mais notável como a plataforma de lançamento para a lenda da guitarra Michael Schenker. Com dezessete anos na época da gravação, Schenker foi atraído pela banda inglesa UFO logo após o lançamento do álbum, deixando o Scorpions nas mãos do vocalista Klaus Meine e do irmão de Michael, Rudolf.
Originalmente lançado no selo seminal Krautrock Brain Records, Lonesome Crow foi um produto de seu tempo e lugar. Scorpions não abraçou a direção eclética de colegas artistas do Brain, como Grobschnitt ou Novalis, deixando o selo após Lonesome Crow para a grande RCA e gravando dois pilares iniciais do metal progressivo, Fly to the Rainbow (1974) e In Trance (1975). Com o devoto de Hendrix, Uli Jon Roth, substituindo Michael Schenker na guitarra, músicas como a espectral “Fly to the Rainbow“, a contemplativa “Life’s Like a River” e o monstro psicodélico doom “Evening Wind” mostraram que, mesmo neste estágio inicial, o metal poderia habitar tanto o primitivo quanto o sublime. “Drifting Sun”, escrita por Roth, exibe um peso à frente de seu tempo e acena para as raízes da banda dos anos 60 — prenunciando outra composição seminal de Roth, o clássico de 1978 “Sails of Charon”. Essas e outras músicas mais diretas, “Speedy’s Coming” e “Robot Man”, estabeleceram o modelo para estudantes como Queensrÿche e Fates Warning. Com melodias celestiais de guitarra solo, a expressividade de Meine, vocais de harmonia de fundo densos e uma abordagem desinibida à composição, os primeiros Scorpions estão ao lado de Rush, Black Sabbath, Rainbow e Judas Priest como um importante bloco de construção da fundação básica do prog metal.
Infelizmente, lutas internas e pressões externas fizeram os dois últimos álbuns do Black Sabbath da década de 1970 irregulares e, em alguns pontos, completamente horríveis. Mas o Sabbath ainda avançou louvavelmente em novas áreas, apesar da turbulência. Technical Ecstasy se contorceu em duas direções muito diferentes. Algumas músicas (“Back Street Kids”, “Rock and Roll Doctor“) encontraram a banda retornando às suas raízes do blues, sem a atmosfera depressiva e sombria. Outras, como a emotiva e multifacetada “Gypsy” e a cosmicamente funky “All Moving Parts (Stand Still)” mostraram uma banda ainda explorando. O centro sombrio do Sabbath não havia desaparecido completamente — ele apenas mudou de forma. Tanto “You Won’t Change Me” quanto “She’s Gone” são atualizações neuróticas/narcóticas de sua vibração inicial deprimente. “It’s Alright”, uma balada cantada pelo baterista Bill Ward, foi a música estranha dessa vez, uma mistura de Elton John e Beatles que mal era reconhecível como Black Sabbath.
A gravação do Technical Ecstasy soou mais básica e improvisada do que as produções anteriores, embora muitas nuances ainda separassem este Black Sabbath de sua estética inicial e básica. A capa do álbum em si é incomum, uma representação de desenho animado/art déco de dois robôs passando um pelo outro em uma escada rolante. Projetada pela empresa Hipgnosis de Storm Thorgerson — uma mercadoria quente nos círculos progressivos na época — a imagem parecia mais uma capa do Alan Parsons Project. Este claramente não era o Black Sabbath do seu irmão mais velho.
O Sabbath chegou em 1978 com Never Say Die, o último álbum gravado com sua formação original. Embora sua diversidade esteja além de qualquer coisa que eles tenham tentado anteriormente, o álbum é tão desequilibrado quanto eclético. Rock animado (“Never Say Die,” “Over to You”), canto de cervejaria (“A Hard Road”), jazz-rock carregado de piano (“Air Dance”), arrogância mal-humorada de operários (“Swinging the Chain”), um instrumental cheio de metais estridentes (“Breakout”) e uma música de peso típico do Sabbath (“Shock Wave”) — este é Never Say Die em toda a sua glória dispersa. A banda se moveu em muitas direções para um álbum, mas duas músicas envelheceram particularmente bem. “Johnny Blade” e “Junior’s Eyes” são peças líricas vívidas com bastante substância musical, e a gravação brilhante do álbum destaca seus detalhes e textura.
As músicas vêm uma após a barulhenta faixa-título de abertura — um clímax inicial neste álbum fascinante e irregular. Never Say Die é uma mistura, mas um passo admirável para uma banda que se recusou a deixar sua música atrofiar devido à repetição.
O Black Sabbath foi definitivamente a primeira banda de heavy metal — eles também foram a primeira banda de metal progressivo? O Sabbath Bloody Sabbath antecede Fly by Night do Rush em dois anos. A banda que definiu o apelo simplista do heavy metal — música baseada em pura força bruta — quebrou seu próprio molde em uma busca pelas incógnitas que estavam na próxima esquina. Quem quer que tenha sido o primeiro, ou a maior inspiração para os futuros progressivos do metal, em seu melhor momento de confusão de gêneros, o Black Sabbath merece ter seu nome pronunciado junto com o do King Crimson — e do Rush que logo chegará — ao estabelecer a base das grandes ideias que virão.